Artistas Internacionales Contemporáneos

Artistas Internacionales Contemporáneos

viernes, 28 de agosto de 2020

III Muestra Internacional "Contra - Vía - Vida", Septiembre

 










Por: Mario Pilonieta Rugeles, arquitecto y artista visual - 

En este mes de septiembre artistas de diferentes países exponen su obra en la presente convocatoria de “contra vía vida”, programadas hasta el mes de noviembre del presente año. Stuación que se plantea en esta época de crisis, partiendo a su vez de una libre temática, donde cada uno emplea medios diversos, formas, género o modo de expresarse categorizado desde sus distintas  manifestaciones, pues como se planteó desde un principio es el de poder mostrar su trabajo desde la dimensión de la situación actual que atravesamos. Con respecto a la formulación de un interrogante sobre la labor en época de crisis, el artista construye su propuesta a través de sus sentimientos sobre todo, en la que predomina su libre pensamiento e intención y procura por transmitir mensajes que generen diálogos respectivos y reflexiones entre el artista y el observador por medio de la obra, que atañen los diversos motivos que nos impulsan a crear desde adentro cualquier aspecto propio o desde la dimensión de la identidad social, su contexto y su entorno.

Cada particularidad por consiguiente se interroga a si mismo partiendo de "el cómo, el qué y por qué lo hace"; La Galería a través de ello realiza un diagnóstico que permita regular y equilibrar desde un balance equitativo la selección de cada obra expuesta y la formación de quien la plantea o la crea. Tal formación no parte de sus conocimientos y experiencias expositivas únicamente, sino de la madurez adquirida desde su proceso creativo como construcción de experiencia por medio de la práctica, la constancia, la continuidad y pedagogías expansivas si fuese necesario para la construcción y transformación de sociedades. Como resultado uno de los aspectos básicos es la solución plástica de la estética que emerge desde la idea misma y no necesariamente desde la  materialidad del objeto específico final, pues cuando la misma está contenida dentro los vestigios técnicos atemporales, hacen de cada obra en particular un ente con belleza propia. 





Andrea Ocampo Artista Plástica Colombiana, estudió en la Academia Superior de Artes de Bogotá – ASAB;  desde muy temprana edad donde se descubre su talento como artista participa en eventos, concursos y exposiciones que la han llevado desde entonces a ganar premios y a recibir talleres y clases de arte; como profesional egresada desarrolla su actividad como pintora, la enseñanza, exposiciones y viajes fuera del país, para mostrar al mundo sus obras desde la influencia de percepción mágica, forzando al espectador a hacerse sensible al complejo entorno de su arte.

Los fundamentos que contribuyen a la madurez de su obra van desde el estudio y conocimiento sobre grandes maestros del renacimiento, del Barroco, a Francisco de Goya y otros maestros  como Odd Nerdrum, Leonora Carrington y Roberto Ferri que le han permitido proporcionar a sus obras elementos propios y diversos que produzcan sensaciones conectadas entre sí con el  mundo de los sueños, mitos, el psicoanálisis y hasta la vida que pueda existir en otros mundos.

Bajo estas dinámicas, Andrea Ocampo Construye sus obras complementando sus intenciones con ideas de poetas literatos e ideologías surrealistas que la motivan a través de la consolidación de formas estéticas reconocibles, ir más allá del primer contacto contemplativo del observador, a una dimensión que propicie nuevas experiencias que conlleven a formular reflexiones desde diversos aspectos culturales tanto materiales como espirituales; estos fenómenos que parten de significados simbólicos sin intensiones narrativas o descriptivas, interponen la línea de lo conceptual que configuran nuevas interpretaciones que conduzcan al observador a establecer sus propias relaciones.

Es así que la obra “La Tentación”, parte de un punto reconocible dentro de un contexto de Fe; un elemento simbólico que divide al mundo en dos, donde nos deja a libre albedrio la selección o elección  de si seguimos en descenso, o hallamos la puerta de salida hacia un nivel superior que una vez nos correspondió en un escenario subjetivo que no es de este mundo. El hecho ha sido consumado, es el estado del arrepentimiento, donde aún no es todo oscuridad.

Por otra parte en la obra “Aprendiendo a volar”, el personaje protagónico ocupa el lugar central, de donde parte la artista para recrear sucesos en escenarios no reales que parten de reglas propias y de libre disposición de acuerdo a sus intenciones planteadas en un principio. Elementos como la esfera, la nube, los ojos cerrados del adolescente y la disposición del avión de papel, este último un instrumento de diversión de nuestra antigua niñez que hoy poco se ve, recrean un escenario surrealista y fantasioso, en una etapa donde el protagonista (adolescente) toma conciencia de que muy pronto  dejara de ser dependiente; apunta por lo tanto sin intención de lanzarlo, hacia el vano de la ventana como preparándose en un pronto viaje hacia su propio mundo.

Dice Andrea: “Me importa obtener una serie de interesantes datos que me permitan elaborar un mundo onírico y fantástico. Me introduzco en un método espontáneo de conocimiento irracional, basado en la asociación interpretativa crítica de los fenómenos delirantes. Exponer al ser humano fragmentado por una degradación social y pintar esferas alusivas de temas de vida en otros mundos es algo importante para mí; juego con ideas, mitos y leyendas con base en estructuras fragmentadas, raras, quebradas o blandas, que correspondan a elementos humanos o animales, dando a conocer un tipo de manifestaciones surrealistas dotadas de un carácter claramente distinto al de otros”. 

andreaocampoart.wixsite.com/Andrea /

www.instagram.com/andreaocampo_art

www.facebook.com/AndreaOcampoArt/

































Elena Grin, Artista Plástica rusa, nacida en Nalchik, Kabardino-Balkaria, una de las repúblicas de la Federación Rusa. Actualmente vive y trabaja en Krasnodar. Desarrolla su pintura en diversos medios y formas de expresión por lo que transita entre lo figurativo, el paisajismo, el bodegón y la abstracción figurativa. Además de crear obras construidas desde la imaginación basada en la representación de la realidad a partir de ideas, también es una artista cuya mirada está dirigida hacia la pintura a pleain air o pintura al aire libre. Entre sus diversos viajes  entre ellos a   Italia, ha conseguido junto a otros artistas, capturar diversas escenas y paisajes del país itálico, plasmando sus calles, edificaciones, paisajes, panorámicas y sus hermosos cielos de aquel instante. Elena Grin es miembro de Creative Public Organization The Union Of Russian Artists desde 2011 y  a su vez también se desempeña como maestra en su propio taller de arte dirigido a personas de diversas edades contribuyendo así al conocimiento del oficio y concepto de la pintura. Según su estado logra enviar mensajes significativos, resueltos según su intención desde la monocromía hasta una composición muy armónica en tonalidades y colores, muy equilibrados en la distribución de masas, conformadas por elementos propios seleccionados magistralmente referentes a una cultura, a sus costumbres y a la identidad de quienes la conforman.

Entre 1993 - 1997, obtiene el grado de Artista con Mención en Arte y Diseño en la Kabardino - Balkarian College Of Culture And Art. En 2009 - 2011 realiza estudios en la Escuela de Arte del Artista de Honor de Rusia, Sergey Vorzhev.

Reconocimientos: 1er premio en el concurso de arte moderno Fanagoria Art, Krasnodar, Rusia. / Premio con el diploma de la Unión de Artistas de Rusia por su contribución al desarrollo de las artes en Rusia. / Galardonada por su contribución al desarrollo de las relaciones culturales entre Rusia y Turquía. / V premio en el 1er concurso internacional de Pintura de Café, WS- International Watercolor Society, Londres. / Participa con su obra en numerosas exposiciones de arte en Rusia, Europa y China.


https://grin-art.ru/

https://www.instagram.com/grin_artist/







































Rodrigo Retamal Jara, Artista Plástico con especialidad en pintura, nació en la ciudad de Concepción, Chile. En 1998 viaja fuera de su país para perfeccionar sus conocimientos en pintura, en la Academia de Arte Di Santo, Florencia, Italia. En el año 2001 el destacado Doctor en Artes y Director de la Pinacoteca de la Casa del Arte (Universidad de Concepción), Don Antonio Fernández Vílchez, enfatizó: “El artista Rodrigo se preocupa por lograr una fidelidad verista en sus temas, entonados con atmósferas cálidas acordes a su equilibrada paleta…”

Desde esa perspectiva, el Maestro Rodrigo expresa el amor a su tierra proporcionando un status en lo concerniente a sus costumbres e idiosincrasia que inmortaliza sus producciones desde sus valores patrimoniales; crea un vínculo de sentimiento profundo entre su gente y el lugar, como entorno reconocible traduciéndose en criterios de conservación. El discurso sobre la importancia y preservación del paisaje y su gente describe una obra entre la calidez y atmósferas frías; un paisaje latente que se recuerda y se siente en una reivindicación moderna y una cultura inmersa en su propia naturaleza que transmite un sentimiento de lo sublime. Rodrigo quiso  mostrar una imagen cotidiana en la vida de un niño de la ciudad de Valparaíso, donde se mezcla la ternura e indiferencia de su actitud y el suelo del casco histórico de la ciudad, mientras en su segunda obra ha sido el resultado de su inspiración en aquellos arrieros chilenos que suben a la cordillera para que los animales pastoreen, ya que la sequía que afecta a Chile, los obliga a subir a la cordillera por pasto fresco.

Sus obras se encuentran en diferentes colecciones particulares como: Facultad de Ingeniería Universidad de Concepción. / Pinacoteca Universidad Católica de la Santísima Concepción. / Ministerio de Educación. Sernam. / Colegio Médico Concepción. / Pinacoteca Ilustre Municipalidad de los Ángeles, entre otros; además, muchas son adquiridas por coleccionistas extranjeros en Australia, Italia, Alemania, Perú y Bilbao, España.

En sus 22 años de trayectoria, el artista ha realizado diversas exposiciones a nivel nacional y en el extranjero, algunas de ellas y más recientes tenemos:

(2019), Exposición “Chile País de contrastes”, Palacio Yohn - Bilbao España. / (2018), Exposición “Encuentros” - Galería Chela Lira, Antofagasta. / (2015), Exposición Itinerante “Lota puertas afuera”, Centro Cultural Pabellón 83, Lota. / (2015), Exposición Binacional Chile-Perú, “De sur a sur” - Galería Vinatea Reinoso, Arequipa Perú. / (2013), Exposición “De mar a cordillera”, Galería Pedro Luna - Los Ángeles. / (2012), Exposición latinoamericana “Humano urbano”, Casona Cultural -La Reina, Santiago. / (2011), Exposición carpa cultural “Cuatro estaciones” - Galería Ilustre Municipalidad de Valdivia. / (2011), Exposición “De norte a sur” - Galería Pablo Neruda. / (2010), Exposición “Rincones de Concepción”  - Galería Ilustre Municipalidad de Concepción. / (2008), Exposición “Buscando la luz” - Galería S-Color, Temuco. / (2005), Exposición “Vice-versa” Galería Art K-Fe, Valparaíso.

Entre sus premios y reconocimientos tenemos: (2007),  Primer lugar concurso “Cuerpos pintados” - Segunda feria regional del transporte, Concepción. / (2003),  Primer lugar concurso “Penco pinta a Penco” - En conmemoración del aniversario de la ilustre municipalidad de Penco. / (1998),  Mención de honor, concurso nacional “Nuestros pintores”  - Instituto Cultural de las condes,Santiago. / (1996), Primer lugar concurso de pintura “Corporación de la Cámara de producción y del Comercio”, Concepción.

www.galeriavientosur.cl































Rubí Segura, Es Arquitecta de la Universidad Juárez Autónoma de Tabasco (UJAT), y Diplomada en Fotografía del Centro de Comunicación de la UJAT.  Artista Visual Radicada en  el estado de Tabasco – México, que incursiona en diversas disciplinas como la fotografía y la pintura; sus propuestas tienden a la caracterización de la forma por medio del minimalismo simbólico y la sobriedad del color en sus composiciones.

Además de sus significados simbólicos que registra en sus producciones por medio del color con contrastes que definen o distinguen abiertamente la relación o comunión entre la luz y la sombra, la artista recurre a la percepción de la materia como volumen que registra sensibles texturas que producen sensaciones propias de la emotividad plástica.

En principio, al observar la obra de Rubí Segura, podemos establecer la influencia de la arquitectura donde se denota una marcada y a la vez sutil representación del espacio que transita por la senda del expresionismo abstracto, en donde el soporte o superficie que la contiene se conjuga integralmente a la subjetividad de lo concreto. Poetizar sobre obras de contención abstracta resulta casi un reto para el observador, pues es a través del dialogo visual que sus reacciones de placer que estimulan sus sentidos, interactúan con  los resultados emanados por el artista producto de sus acciones performativas que por medio de sus emociones, sentimientos y pensamientos imparten ordenes desde el cerebro como lenguajes que se extienden hacia sus extremidades que se convierten en instrumentos o medios propios del creador para plasmar sobre el lienzo. El observador por lo tanto puede a través de la imagen construir sus propias lecturas con indicios cartográficos como resultados de sus distribuciones sensitivas tridimensionales, o construir recorridos que surgen desde la dimensión que es definida por  los elementos que recrean los espacios resultantes de las distribuciones arquitectónicas.

La artista ha realizado diversas exposiciones en su país, entre las individuales tenemos: 2017, Centro Cultural Villahermosa – Colección La Ruptura. / 2016, Fotografía - Anagnórsis, Casa de la Cultura de Tabasco, México. / 2013, Mi Ser, Plaza Altabrisa. / 2008, Pasión Azul, Instituto Juárez.

Además de  sus exposiciones colectivas y múltiples publicaciones de su obra, ha recibido premios y reconocimientos: 2007, Primer lugar Conalmex – Unesco, Medio Ambiente. / 2006, Tercer Lugar IEC, concurso de dibujo Fontanelly Vázquez. / 2007, Mención Honorífica Fernando Pérez Nieto. / 2014, IEC – Bienal Regional en Tabasco. / 2012-13-14-15, Mención Honorífica Concurso de Fotografía Jaime Tirado. / …






































Jorge Mella, arquitecto y Artista Visual, nació el año 1970 en la pequeña ciudad nortina de Tocopilla – Chile; Jorge Mella es un exponente del arte chileno destacado a nivel internacional, apasionado del arte desde que descubrió la magia del dibujo y la relación inmediata con el óleo. Desde el año 2010, a través de sus obras pictóricas y sus exposiciones destacadas colectivas y de cinco individuales, ha resaltado en una búsqueda su legado patrimonial. Se ha dedicado a retratar la identidad de los pueblos de Chile y de su Norte destacando su belleza y sencillez  de lo que le rodea, aquello considerado desechado o deteriorado por el tiempo y la mano del hombre pero que en su antigüedad cobra vida propia llegando a convertirse en elementos o símbolos representativos cargados de memoria, de historia y sentimientos propios de su cultura, a partir de lo que vemos y que muchas veces no logramos percibir en esas composiciones casi espontánea que nos entrega nuestro entorno. El costumbrismo y la idiosincrasia de su región cobra valor e importancia plástica como herencias de sus antepasados donde a través del registro sobre sus lienzos la eterniza, las inmortaliza o perpetua dentro de una concepción más que realista, que no deja dudas del amor por su terruño. Hay que resaltar que no solo por sus aptitudes y cualidades como arquitecto podemos ver una gran calidad en sus dibujos, sino como artista logra plasmar la majestuosidad de sus construcciones, una gran factura en el manejo de la linea y el trazo, que dan carácter de poder, de emotividad o capacidad de experimentar emociones, sentimientos, y sensibilidad hacia la belleza y estética, como su fuerza y su carácter, reflejados también cuando hace uso del color en otras técnicas, como lo podemos apreciar en su Bodegón "Verduras de antaño"

El artista Jorge ha participado en doce muestras colectivas nacionales e internacionales, desde el 2017, con el fin de fomentar el arte de su país, la cual lo ha caracterizado. 


https://instagram.com/pintorjormella?igshid=1tu9aj2k88m21

















































Gelma Nazareth Higuera Alvarado, Estudió Arte, Decoración y Diseño de Interiores. Dentro de su proceso ha realizado exposiciones itinerantes en Colombia, Norte América, Centro y Suramérica; se ha desempeñado en la docencia  con niños y adultos, preparación de grupos y personas para que participen en Bienales y exposiciones tanto colectivas como individuales, en instituciones educativas como colegios y fundaciones y en talleres particulares. Aplica técnicas mixtas en sus obras y trabaja el modelado, la escultura, la pintura, el dibujo, y diversas propuestas contemporáneas como instalaciones, video arte y arte-terapia.

En esta ocasión la artista nos presenta una serie de esculturas elaboradas en hierro reciclado y pintura electrostática. Su investigación se basa en la definición de los cuatro elementos de la naturaleza y del estudio sobre la geometría sagrada como valioso tesoro que enmarcan estructuras y patrones de proporciones perfectas en lo que aparentemente parece ser un caos o desorden. Estos objetos que son codificados de alguna manera se les otorgan una cualidad divina donde sus conceptos geométricos se han empleado en muchas de las construcciones  sagradas y en el arte devoto de muchas sociedades en todo el mundo.

Dentro de su experiencia encontramos su participación en la feria de arte Viarte, Medellín, 2016 y 2017. / Exposición Punto de encuentro Medellín - en el Hotel San Fernando Plaza,  2017, Y Punto de Encuentro – Medellín, en el Club el Rodeo en el 2018. / Exposición artistas consagrados VIII – IX – X – XI – Bienal  internacional de arte de suba en UDCA, Biblioteca Julio Mario Santo domingo, Centro Cultural y de Convenciones Cajicá, Galería Café y& Libro, Country Club, Auditorio Zea Mays, y Tocancipá,  años 2012, 2015, 2017 y 2019 respectivamente. / Participación en salón de arte Fundación Universidad San Martín 2019. / Jurado del concurso internacional del cartel de la Paz Club de Leones 2019. / El ate en movimiento. Teatro focus 2017. / Galería azul profundo exposición itinerante 2.013. / Subasta Latina Orlando Florida 2.011 EE.UU. / Encuentro artístico Colombo Cubano Country Club Pueblo Viejo 2.011 Bogotá. / XXX festival del caribe Santiago de Cuba Casa del Caribe 2010 Cuba. / Casa Simón Bolívar La Habana 2.010 Cuba. / Galería Universal Santiago de Cuba 2010. / Galería de arte Gelma Higuera. Exposición itinerante colectiva Chico 2007 Bogotá.

En sus exposiciones individuales tenemos: Exposición itinerante Azul profundo Medellín, 2020. / Exposición punto de encuentro Club el Rodeo Medellín, 2018. / Exposición Punto de encuentro Hotel San Fernando Plaza Medellín. 2017. / Feria Internacional del libro Republica Dominicana 2.005 Santo Domingo. / Pueblo Viejo Country Club 2.000 en Bogotá. / Nueva acrópolis, 1997 Bucaramanga. / Biblioteca pública Gabriel Turbay 1996 Bucaramanga. / Club cazadores unidos Bucaramanga, 1995 Bucaramanga. / Casa de la cultura Custodio García Rovira, 1985 Bucaramanga.






































Mery Avaca Muñoz, Artista Chilena y matrona de profesión. Su pintura se basa en lo propio, inmortalizando objetos preciados en bodegones, llenando de vida y color los paisajes de Chile donde intenta llegar al espectador a través de sensaciones, evocando  recuerdos, lugares y momentos vividos. La belleza natural y la diversidad del paisaje del país se convierten en fuentes importantes que valora cual tesoro para descubrir el motivo de su inspiración. La combinación de estos conceptos caracteriza sus paisajes donde implícitamente llegan a ser recursos que definen sus obras entre lo real y lo subjetivo.

Además de su formación en artes con especialización en pintura figurativa la artista Mary Avaca de O., ha recibido premios y reconocimientos:

2020, primer premio en el Salón Virtual de Otoño de la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago. / 2020, mención honrosa en el Primer Salón Virtual de Pintura Contemporánea de la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago.

Seleccionada mediante convocatoria en el año 2016, “Barbara Brandl, Valparaiso. Exposición Casa E”. / 2017, “Seleccionada en la XI versión La belleza dello Sguardo, Squola italiana, Santiago. / 2017, Seleccionada en la II Expo Colectiva de Vecinos Lo Barnechea, Centro Cultural El Tranque, Santiago. /

Instagram: @mery.avaca.de.o.oleos

Facebook: Mery Avaca de O. 






































Jonathan Millán Villacorta, Artista visual chileno, proveniente de la ciudad de Concepción; en 2011 realiza estudios formales en arte con el maestro Rodrigo Retamal Jara, especializándose en la técnica del óleo. El artista plasma la belleza del paisaje, y plantea situaciones desde las características sociales y culturales que ofrece el país. El artista evalúa el paisaje desde la majestuosidad del altiplano chileno en la obra de “Vicuña en San Pedro de Atacama”, y la densidad de la geografía y los bosques de la Patagonia en la obra “Paisaje Sureño”. Sus  paisajes surgen de la realidad inminente donde la enmarca dentro del naturalismo enfatizando en el color, la composición, y la apropiación hacia lo que representa su terruño. La vitalidad y al mismo tiempo sutil de la pincelada crea propias sensaciones de placer y contemplación. Jonathan Millán ha realizado explosiones en su país, algunas de ellas:

2012, Sala de Exposición del Colegio Médico. Concepción, Chile. / 2014, Exposición individual “In Situ”. Centro Cultural. Viedma. Río Negro, Argentina. / 2014, Colectiva “De Mar a Cordillera”. Sala de Exposición Pedro Luna. Los Ángeles. Región del Bío-Bío, Chile. / 2015, Colectiva Binacional Chile- Perú “Un Solo Color”, Galería Universidad Católica Santa María, Arequipa - Provincia de Arequipa, Perú. / 2016, Artista Invitado en Mural “Visiones de nuestra Región” en Parque Boulevard Brasil. Antofagasta. Región de Antofagasta, Chile. / 2018. Exposición Colectiva de Arte “Pingueral in situ”. Complejo turístico Pingueral. Tomé. Región del Bío- Bío, Chile. / 2018. Exposición Colectiva “Encuentro”. Galería Chela Lira, Universidad Católica del Norte – Antofagasta, Región de Antofagasta, Chile. / 2018. Exposición Colectiva “Encuentro desde el Bío- Bío al Loa”, Universidad Católica de la Santísima Concepción – Concepción, Región del Bío-Bío, Chile. / 2018. Mención Honrosa en Categoría Realismo, Concurso de pintura “Memoria y Representación Pictórica, 101 Años de su Legado Pedro Del Río Zañartu”, Museo Parque Pedro del Río Zañartu – Hualpén, Región de Bío- Bío, Chile. / 2019, Segunda Exposición de Arte “Pingueral in situ”, Complejo turístico Pingueral, Tomé - Región del Bío- Bío, Chile. / 2019, Colectiva “Salón de Mayo”, Galería Chela Lira, Universidad Católica del Norte - Antofagasta. Región de Antofagasta, Chile. / 2019, Exposición “Paisajes del Sur”, Galería Sala de Exposiciones Club Llacolén - San Pedro de la Paz, Región del Bío-Bío, Chile. / 2019, Exposición “Chile País de Contrastes”. Centro Cultural Palacio de Yohn, Bilbao - País Vasco, España. / 2020. Exposición “Salón de Mayo” versión 2020, Galería Chela Lira, Universidad Católica del Norte – Antofagasta, Región de Antofagasta, Chile.






































Alejandra Gallardo Mendoza, Artista Plástico Chilena y Diseñadora de profesión. En su carrera aprendió distintas técnicas donde comienza a dibujar empleando técnicas del carboncillo, colores pastel y acuarelas. Se inicia en el óleo en el taller del artista Paolo Peña en la ciudad de Iquique en el año 2007; posteriormente, se radica en Antofagasta el año 2008 donde asistió al taller de la artista Alicia Guzmán entre los años 2011 -2014.

Desde el año 2018, forma parte del taller del destacado artista nacional Rodrigo Retamal Jara donde define entonces su estilo a partir del realismo representando los lugares marinos, la pampa y sus salitreras; en el año 2018, asiste a un taller en Buenos Aires Argentina, con el famoso pintor mexicano Omar Ortiz, el cual influenció su gusto por desarrollar y dominar la técnica del cuerpo humano. En la Obra “Pesqueros al atardecer”, Óleo sobre tela, trata de capturar los sentimientos de calma y de tranquilidad que ofrece al ser humano un ocaso en el atardecer del mar, mientras en la obra “Remanso”, recrea el descanso de los botes en el puerto y la calma de las olas generadas por las ondulaciones en el agua y la grandeza de la naturaleza con el esplendor de sus colores intensos filtrados por la luz del día en fusión perfecta con los reflejos del mar. Podemos concluir con esta presentación del paisaje por diferentes artistas, que el paisaje en su elección difiere según quien lo contempla lo define y lo recrea. Es el autor quien determina la composición y selección de los elementos que la integran, su intención y su significado, produciendo un sentimiento profundo más si se tratase de su terruño, en una dinámica metabólica como vehículo para comprender la configuración espaciotemporal del mismo, que singulariza a su vez cada paisaje.

La artista, además ha participado en las siguientes exposiciones: (2020), Salón de Cristo en el Arte. / (2020), Salón de Mayo de la Universidad Católica del Norte de Antofagasta. / (2019), Salón de Cristo en el Arte. / (2019), Salón de Mayo de la Universidad Católica del Norte de Antofagasta. / (2019), Salón de la Plástica Antofagastina. / (2014), Salón de la Plástica Antofagastina. / (2013), Salón de la Plástica Antofagastina.

Premios: Segundo lugar en el concurso de arte de la municipalidad de Antofagasta “Desde mi ventana”. Julio 2020.

https://www.facebook.com/alegallardo.pintura

https://www.instagram.com/alejandra_egm/?hl=es-la



































Liliana Añes, artista plástica de Argentina, se apropia de diversos medios para producir a través del collage sus originales técnicas mixtas que la identifican y que producen reacciones muy dinámicas a través del color fuerte e intenso, cortes duros acordes a sus mensajes que tienen relación directa con conflictos de violencias, o problemáticas que afectan al ser humano y principalmente a la mujer, en un mundo machista y de guerra de poderes que tocan lo político, lo social y lo económico. Sus composiciones son naturales respondiendo a una realidad latente la cual no hemos podido erradicar del comportamiento como seres racionales. El rostro de sus personajes anónimos como sus expresiones nos muestra dolor, angustia y desesperación y mucho más ahora con esta época en que nos encontramos donde se toma el riesgo de perder las esperanzas. Acude por lo tanto la artista a un llamado del no más, que apartemos un instante de nuestras vidas por reflexionar hacia la reproducción de nuevos pensamientos positivos que conduzcan a la supervivencia misma de la vida.








































Eduarte Gámez Aroca, Artista Plástico de Ariguaní, Magdalena, Colombia, y un Diplomado en Gestión y Formulación de Proyectos Culturales de la Universidad del Magdalena; el artista incursiona en las temáticas actuales del país y muy seguramente en hechos que suceden a nivel mundial; en este caso específicamente sobre la igualdad de derechos, el respeto a la diversidad y la unificación de valores como seres humanos incluyentes en los sistemas establecidos sociales, culturales y políticos. Resalta y realza en sus obras la figura femenina, acudiendo al llamado por el respeto y su belleza, sin discriminación alguna, independiente de su raza, de su credo y de su identidad, en la que la mujer se encuentra hoy en día ocupando lugares importantes en todos los sectores. La intención del artista no es describir signos o señales que dejen marcas en la memoria de un país, sino que a pesar de ello la mujer es símbolo de feminidad, de madre, esposa y aquella que siempre está dispuesta a dar su vida por aquellos que ama y por la humanidad en general.

 Entre sus exposiciones tenemos: 2020, II Exposición Internacional Luna Galería de Arte. / 2020, I Exposición Afro-indígena Dos Continentes, Chile – Escuela Internacional Arte de América. / 2018, XI Exposición Internacional de Arte Suba Bogotá, Colombia, MACI. / 2010, V Salón BAT de Arte popular, Barranquilla, Colombia.




































Rafael Valenzuela Rueda, artista plástico colombiano, nos presenta en esta oportunidad dos obras digitales que viene recientemente desarrollando dentro del campo de las artes contemporáneas; aunque también he intentado realizar obras digitales, no había tenido la ocasión de hablar de ello, pero Rafael con su obra me permite hacerlo en esta ocasión.  Para comenzar no me expresare estrictamente en su medio como uso o aplicación de programas vectoriales, que es el fundamento básico del diseñador, sino desde la perspectiva en que los artistas plásticos y los mismos ilustradores gráficos se han apropiado de ella y la forma o intención con que la abordan; se podría deducir o decir en términos plásticos que como las tradicionales técnicas o medios gráficos llegaron a ocupar un espacio dentro de las artes plásticas, hoy el medio digital reclama su sitio que lo caracteriza por componer obras desde el proceso de producción hasta su exhibición, creando de este modo sus mundos alternativos como modos de expresión donde se detecta los mismos elementos que contiene cualquier obra creada dentro de los medios reconocidos de la plástica. Nadie podría negar la existencia misma de la expresión de sensaciones, de ideas, de sentimientos, que humanizan el oficio a través de técnicas donde se percibe desde la perspectiva o tridimensionalidad hasta el comportamiento de la herramienta con intenciones de producir composiciones, efectos, color y texturas entre otros. Esa es la obra del artista Rafael, donde genera lecturas de interpretación, y de contemplación de sus obras que pone de manifiesto el nuevo concepto que surge dentro de las artes visuales.






































Cristian Macana, artista plástico colombiano presenta sus pinturas que parten de una idea surrealista , tomando como referentes algunos artistas del barroco; para esto quiso hacer uso de elementos cotidianos superpuestos de manera libre creando así una composición casi coherente a su mundo mental, donde la anatomía es protagonista con  personajes que llegan a ser auto destructivos. Su obra o propuesta sugiere un eclecticismo, casi como un híbrido entre expresiones y manifestaciones pasado y presente donde se apropia de pensamientos que concuerdan con los suyos. Es un collage de experiencias donde resalta ciertos personajes mientras minimiza otros que entran en escena pero son protagonistas de sus vivencias, de sus sueños y de sus códigos morales, que lo hacen pertenecer a un mundo paradójico desde el sentido profundo del alma. Intenta el artista generar significados propios donde enfatiza a través de la imagen la disposición del ser humano como máquina reproductora de pensamientos que termina en su propia destrucción.

















































Cristian Montesino, Artista Visual, nació en Providencia, actualmente radicado en Santiago de Chile. Su obra evidencia la reformulación de la realidad, a través de nuevas interpretaciones que conducen a la subjetividad de la misma. En el arte todo artista hace uso de la subjetividad de las cosas materiales e inmateriales, pero en algunos, esta subjetividad muchas veces esta oculta pues a los ojos del observador, su objetivo en primer lugar es la lectura directa de la forma percibida. Entonces podemos decir que la percepción nace desde el campo de las artes, donde se convierte en el vehículo en la cual una realidad observada recrea una nueva forma de representación. Cristian Montesino usa como recurso la subjetividad impuesta por la percepción donde además de contemplar el significado propio del paisaje, resalta aquel como signo, como símbolo de lo reconocible a través de la imagen, su textura densa, gruesa muy acorde a la experimentación sensible desde su experiencia personal como factor fundamental de su expresión. 













 



























Alejandra Añes, de Argentina, es artista plástica y visual que expresa sus pensamientos en obras pertinentes donde se encuentran cargada de mensajes relativos a los valores subestimados o perdidos esencialmente a hacia la mujer. Sus motivos muy simbólicos y cargados de significado, ilustra de tal forma que conduce a interpretaciones claras sobre realidades de un mundo materialista. En su obras crea narrativas insospechadas, pues dibuja signos abstractos en forma de escritura donde nos incomoda por no poder descifrar su contenido, su mensaje, que pueden indicar diferentes intenciones, seguramente relacionadas con personajes existentes, reales o traídas a la memoria, al igual que aquellos vestigios o reseñas de cicatrices físicas o internas muy latentes ante la mirada de sus esculturas, que dejan como resultado figuras transfiguradas, descompuestas, y despreocupada de toda belleza que pueden producir los cánones establecidos.







































Mario Pilonieta R. - Por mi parte me apropio algunas veces de imágenes con sentido publicitario, o de registros costumbristas, o de cualquier otro contenido que atañen a la construcción o transformación de sociedades partiendo desde sus núcleos familiares o incrustados en algunos grupos o sectores culturales. Para esta ocasión realizo un parangón entre dos actitudes sólo para crear cuestionamientos, reflexión, análisis o conclusiones sobre imaginarios acuñados desde la pertenencia a estratos y sustratos, hoy con sentido solo desde el poder adquisitivo generadores de todo los males desde lo que pudiéramos definir como educativos y muchos más, que lo hacen equívocos, pues no son necesariamente los origines de reproducciones genéticas, ni de la transmisión desde la siete generaciones o de cualquier indicio de transmutación extraterrestre.