C R U Z A D A S V I S U A L E S
DIA MUNDIAL DEL ARTE LEONARDO DA VINCI
ABRIL 15 DEL 2026
Título: Sombras y luces
Autor: Rodrigo Retamal Jara
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 70 x 50 cm
Año: 2025
País: Chile
La obra presta atención a las texturas: las rocas
tienen tonos cálidos como ocres, marrones y rojizos, combinados con verdes que
sugieren musgo o algas. El agua, por su parte, refleja el cielo y las piedras,
creando una superficie brillante y tranquila en primer plano.
Título: Carol en Juan López
Autor: Rodrigo Retamal Jara
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 60 x 50 cm
Año: 2025
País: Chile
La obra capta una luz natural, con olas suaves que llegan a
la orilla y reflejan el cielo en la arena mojada. Hay un sutil juego de sombras
y luces, especialmente alrededor de sus pies y en los pliegues del vestido, lo
que aporta profundidad y realismo.
Título: Serenidad
Autor: Alejandra Gallardo Mendoza
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 60 x 80 cm
Año: 2025
País: Chile
La obra transmite una sensación de inmensidad,
calma introspectiva y una conexión profunda con la naturaleza, evocando el
sonido repetitivo del oleaje y la quietud de un día gris junto al mar.
Título: Fuerza natural
Autor: Alejandra Gallardo Mendoza
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 80 x 60 cm
Año: 2025
País: Chile
La obra transmite calma, frescura y el movimiento
constante del mar, con un equilibrio entre la fuerza de las olas y la serenidad
del entorno de un atardecer.
Jorge Mella - JorMella
Arquitecto, dibujante y pintor del Norte de Chile. Incansable
defensor del patrimonio, documentando gráficamente los rincones y retratando
personajes de su región. Se desarrolla como artista visual y gestor cultural
desde el 2010, donde participa activamente hasta la fecha, en diversas muestras
pictóricas individuales en su ciudad, en colectivas en su país y otros países
como EEUU, España, Colombia, Argentina, Venezuela, Perú y otros. En su trabajo
de gestión, ha desarrollado curadurías, muestras colectivas, catálogos de arte
y mediaciones artísticas, fomentando su trabajo, el de artistas consagrados y nuevos
exponentes de su región.
https://www.instagram.com/pintorjormella?igsh=bWtvanZia3EwcDR4&utm_source
Título: Cel sexto YO SOY
De la serie: Personajes
Autor: JorMella
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 40 x 40 cm
Año: 2025
País: Chile
Título: Ceramista de San Pedro
De la serie: Personajes
Autor: JorMella
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 50 x 70 cm
Año: 2025
País: Chile
Dos pinturas escogidas para mostrar la visión de algunas de
las búsquedas del ser. Mi “Cruzada Visual” personal, desde la pintura,
convicciones nacidas desde el interior del alma: Uno, un ceramista de San Pedro
de Atacama, un poblado del Norte precordillerano de Chile. Con sus manos da
forma y transforma sensiblemente la tierra a través de su obra, con el objetivo
de trascender la figura de la Pacha Mama, hablando de sus creencias andinas y
culto identitario de su pueblo. Por otro lado, e la ciudad, las manos añosas y
accidentadas de Waldo, que sostiene y protege su Cristo, en el reconocimiento
del “YO SOY”, el sexto según el Evangelio de San Juan en este caso. Donde Jesús
es el camino, la verdad y la vida. La única vía para encontrar al Padre, la
fuente de la verdad divina y el dador de la vida eterna.
INDIA
Título: Clouds I
Autor: Deepak Sharma
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 56 x 38 cm
Año: 2025
País: India
Título: Clouds II
Autor: Deepak Sharma
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 56 x 38 cm
Año: 2025
País: India
Título: Clouds III
Autor: Deepak Sharma
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 56 x 38 cm
Año: 2025
País: India
MÉXICO
Martín
Cruz
Pintor
mexicano originario de Ciudad del Carmen, Campeche con más de 35 años de trayectoria,
su obra es un reflejo de la identidad y las raíces de su tierra natal. Martin
Cruz es conocido por su habilidad para combinar técnicas tradicionales creando
obras que evocan la historia y cultura de su tierra. Algunas de sus
composiciones destacadas incluyen “Mitos y Leyendas Mayas” y “El color y la
poesía en la obra de Martin Cruz” ambas presentadas en la casa de cultura de
Ciudad del Carmen, Campeche. También ha participado en eventos nacionales e
internacionales como “El festival internacional de las artes en Ciudad del
Carmen, Campeche. Su obra se caracteriza por su estilo único y emotivo que
incluyen colores vibrantes con una paleta de tonos brillantes y saturados para
representar la riqueza cultural y natural de su tierra natal, imágenes del ayer
donde rescata escenas de la vida cotidiana de Ciudad del Carmen, para contar historias
y preservar de esta manera la memoria de su comunidad. Las técnicas
tradicionales como el óleo, acrílico y acuarela han sido cómplices de sus creaciones,
un reflejo de su conexión con la tierra y su cultura. Martin Cruz produce e imparte
talleres de dibujo y pintura en la casa de la cultura en Ciudad del Carmen, Campeche.
https://www.instagram.com/martincruz_b.art?igsh=MWVwYzhyYno3Z3NrZg==
martincruz_b.art
Título: Garza Gris
Autor: Martín Cruz
Técnica: Acuarela
Dimensiones: 19,7 x 12 cm
Año: 2024
País: México
Garza
pequeña ampliamente distribuida en gran parte del mundo. El tamaño pequeño y el
color mayormente gris la separan de la mayoría de otras garzas, viste una gorra
oscura contrastante, distintos bordes claros en las plumas de las alas y rayas
blancas y rojizas en la parte delantera del cuello. Se encuentra en humedales,
pantanos, campos agrícolas, ríos y lagos. Los trazos de acuarela logran
transmitir la elegancia y la quietud de la garza, mientras que el uso del color
resalta su habitad natural, la atención al detalle en las plumas y la expresión
serena del ave invita al espectador a apreciar la belleza discreta de esta
especie combinando técnica y sensibilidad, ofreciendo un tributo visual a la
garza y su entorno, ideal para amantes de la naturaleza y el arte.
Título: Faro de Xicalango
Autor: Martín Cruz
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Dimensiones: 34 x 24 cm
País: México
La
pintura resalta la imponente estructura de 29 metros de altura, construida en
1866, que se erige como un símbolo de la rica historia y el patrimonio cultural
de la región. El faro en la actualidad se encuentra a un costado del rancho
Xicalango. La obra evoca la importancia histórica del sitio, con un manejo
expresivo del color y la textura, logrando transmitir la esencia y su entorno,
convirtiéndolo en un tributo visual a la historia y la belleza natural de
Xicalango.
Frangy
Zetina es una artista que lleva por nombre Francis Angélica Zetina Sánchez, nacida
en Balancán Tabasco, México cuyo trabajo en el dibujo y la pintura se centra en
explorar la espiritualidad, la esencia de los personajes y obras en general que
realiza. A través del manejo del lápiz logra transmitir una dualidad entre la delicadeza
y la fuerza humana, reflejando el propósito de experimentar el sentido de la
vida en un mundo cambiante, las obras son realizadas sin formalismo técnicos
para mostrar el alma de las cosas y los seres vivos. Con una expresión
autentica nacida de sus sentimientos y pensamientos sinceros, Frangy como
artísticamente se da a conocer imprime en sus creaciones una frescura luminosa
que busca eternizar e inmortalizar a sus personajes, convirtiéndolos en recuerdos
sublimes. Como artista activa y comprometida implica un dialogo constante con el
público y sus seguidores. Su enfoque artístico se caracteriza por arremeter la
superficie del medio para dar vida propia a sus personajes y a cada una de sus
obras con sus diferentes técnicas como con el óleo, acrílico, acuarela, lápices
de colores y bolígrafos, dejando fluir emociones que conectan con el espectador
de manera profunda y significativa. Actualmente imparte la enseñanza artística
en casa de cultura de Ciudad del Carmen, Campeche.
Título: El mensajero
Autor: Frangy Zetina
Técnica: Acrílico sobre barro
Dimensiones: 30 cm de diámetro
Año: 2025
País: México
El mensajero es una obra que fusiona elementos simbólicos de
la cultura mexicana con un estilo vibrante y contemporáneo. En el centro, un
colibrí posado en una rama, pintado con colores detallados representa un
mensajero espiritual que lleva mensajes entre los mundos, conectando lo
terrenal con lo divino. A su espalda se encuentra la pirámide de Kukulkán, el
templo maya, simboliza la conexión con el pasado y la sabiduría ancestral, evocando
la rica herencia cultural de México. A su alrededor la flor aporta un toque de vida
y energía al entorno, representando la vitalidad y la conexión con la
naturaleza.
“El mensajero” combina técnica tradicional con el lenguaje
visual moderno, creando una pieza que invita a reflexionar sobre la conexión
entre lo espiritual, la naturaleza y la historia.
Título: Mario Brito
De la serie: Dejando huella
Autor: Frangy Zetina
Técnica: Lápiz de grafito
Dimensiones: 25 x 30 cm
Año: 2026
País: México
Mario
Brito es un retrato realista ejecutado en técnica de lápiz sobre papel, perteneciente
a la serie “Dejando Huella”, que celebra a artistas locales de Ciudad del Carmen,
Campeche del arte que están marcando una influencia significativa en su entorno.
La obra captura la esencia de Mario Brito, un destacado artista plástico, cuya
expresión serena y mirada profunda reflejan su dedicación y pasión por el arte.
Con una trayectoria que abarca reconocimientos tanto a nivel nacional como
internacional, Brito a consolidado su legado en el mundo del arte.
El
artista viste un sombrero de ala estilo texano y gafas, elementos que añaden
carácter y personalidad realizado con gradaciones de gris que dan volumen y
realismo al personaje. El Fondo neutro enfoca toda la atención en la figura de
Brito, enfatizando su presencia como maestro y su contribución al mundo del
arte. Este retrato no solo documenta la apariencia física del artista, sino
también deja huella visual de su importancia en la enseñanza y creación
artística, inspirando a futuras generaciones a seguir su ejemplo y dejar su
propia marca en el arte.
ARGENTINA
Título: Máscara
Autor: Alejandra Añés
Técnica: Metal fundido
Medidas: 21 x 29 cm
Año: 2019
País: Argentina
Facebook: Lili
Añés
Título: Paisaje amarillo
Autor: Liliana Añés
Técnica: Acrílico a espátula
Medidas: 50 x 60 cm
Año: 2025
País: Argentina
REPÚBLICA DE MOLDAVIA
Título: Extasis y pecado
Autor: Ciuloci Liuda
Técnica: Grafito - espuma de acero
Medidas: 84 x 59 cm
Año: 2026
País: República de Moldavia
“Éxtasis y Pecado” es un dibujo nacido de mis experiencias. La composición de la obra es un estudio de la dualidad, un frágil puente entre el deseo puro y el peso de la conciencia. En el centro de atención se encuentra el rostro femenino, capturado en un estado de abandono y éxtasis. Es un estado consciente, asumido con trágica lucidez. La cabeza se inclina hacia atrás y la expresión de trance se convierte en un instante en el que la mujer elige ignorar la gravedad moral para alcanzar la cima de una experiencia interior.
El contraste visual se ve reforzado por la presencia
masculina, una silueta imponente, definida por rasgos deformados. Esta “sombra”
es la encarnación visual del pecado: una fuerza que, aunque distorsionada y
pesada, es inseparable de la heroína. Quise representar el “pecado” no como una
entidad externa, sino como una extensión del ser, una proyección de la sombra
que acompaña a toda gran experiencia. No los invito a juzgar, sino a reconocer
un mecanismo universal: el coraje para seguir adelante, para saborear el
éxtasis. La distorsión de los rasgos de la sombra enfatiza la idea de que todo
placer intenso, obtenido a costa de un compromiso moral o espiritual, lleva
consigo la impronta de la alteración.
«Éxtasis y Pecado» es una alegoría de la condición humana. En un mundo de
grises, propongo una confrontación directa con nuestras propias «sombras» y el
precio que estamos dispuestos a pagar por los momentos en que nos sentimos
verdaderamente vivos. Esta obra no es solo para ser contemplada; es para ser
sentida, para ser analizada y, en última instancia, nos obliga a preguntarnos:
¿cuánta de nuestra sombra estamos dispuestos a soportar para alcanzar la luz
del éxtasis? Desde un punto de vista técnico, opto por un enfoque que oscila
entre la delicadeza de los rasgos femeninos y un sombreado denso, casi brutal,
en la representación de la silueta masculina. La fluidez de las líneas que
definen el rostro de la mujer contrasta con la rigidez y la deformación de la
sombra, haciendo visible el conflicto entre la gracia y la carga.
Título: Gitana, entre el dolor y
la canción de creación
Autor: Ciuloci Liuda
Técnica: Grafito sobre hoja de papel
Medidas: 42 x 29 cm
Año: 2024
País: República de Moldavia
Título: Padre de creación
Autor: Ciuloci Liuda
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 65 x 75 cm
Año: 2017
País: República de Moldavia
Apostol Iacov
Título: Patos a la luz
Autor: Apostol Iacov
Técnica: Gauche sobre hoja de papel
Medidas: 42 x 29 cm
Año: 2026
País: República de Moldavia
Título: Atención
al orden
Autor: Apostol Iacov
Técnica: Gauche
sobre hoja de papel
Medidas: 42 x
29 cm
Año: 2026
País: República
de Moldavia
Autor: Visileac Ana
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 70 x 60 cm
Año: 2026
País: República de Moldavia
Autor: Borodin Emilian
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 70 x 60 cm
Año: 2025
País: República de Moldavia (Ucrania)
Título: La Luz de Jesús
Autor: Borodín Emilian
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 50 x 40 cm
Año: 2024
País: República de Moldavia
VENEZUELA
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Giovanny Medina
Giovanny A. Medina C. de Maracaibo, Venezuela. Artista
Visual, Técnico Medio en Dibujo y Pintura egresado de la Escuela de Artes
Plásticas- Actualmente está integrado a varios Colectivos de Arte en Facebook a
través de los cuales participa constantemente en Exposiciones Virtuales las
cuales son difundidas a través de las Redes Sociales. Ha participado en
diferentes Exposiciones Colectivas presenciales y virtuales a nivel Nacional y
en Exposiciones Colectivas virtuales en Galerías Internacionales. Creador de
Aries, Galería Virtual de Arte por medio de la cual brinda apoyo y difusión a
artistas a través de las plataformas de Facebook, Instagram y YouTube.
Instagram: giomed2014
Facebook: Medina C. Giovanny
Contacto: +58 0412-6664746
Título: El Umbral de la Memoria Sensorial
Autor: Giovanny Medina
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 60 x 30 cm
Año: 2025
País: Venezuela
El Umbral de la Memoria Sensorial
La obra es una pieza de técnica mixta de formato vertical
que captura una atmósfera profundamente introspectiva y etérea, confirmando su
alineación con el arte simbólico y la exploración de la psique.
La obra se organiza en tres planos principales que definen
el primer Plano (Tierra y Materia): La base inferior está dominada por una textura
densa, rugosa y orgánica en tonos terrosos y verdes oscuros. Esto representa el
anclaje a la realidad material, a la; de la cual emerge la memoria y la
conciencia. Es el punto de partida sensorial.
Plano Medio (Figuras y Tránsito): Tres figuras humanas,
apenas esbozadas, se sitúan en el centro. Parecen surgir o disolverse en el
plano superior, sugiriendo un tránsito o una aparición espectral. Este es el
umbral propiamente dicho, el momento de la transición entre la materia y el
espíritu.
Plano Superior (Luz y Espíritu): El tercio superior irradia
una luz intensa, difusa y dorada, casi celestial. Esta luz simboliza la
conciencia, la epifanía o el espacio atemporal donde reside la memoria pura.
Las tres figuras son siluetas andróginas y universales; no
son retratos, sino contenedores de experiencia. Sus contornos son suaves,
dibujados con una línea simple y fluida, lo que evita la rigidez y potencia su
naturaleza de Puntos Focales: Estos puntos de color actúan como focos de
memoria sensorial. No representan órganos, sino puntos de impacto emocional o
recuerdos que se manifiestan físicamente en el cuerpo. El rojo intenso, por
ejemplo, puede simbolizar el dolor, la pasión o la vida, siendo la manifestación
más cruda y sensorial del recuerdo. El tratamiento atmosférico del fondo, con
capas de color diluidas que se desvanecen en la luz, crea un efecto de neblina
o bruma, que es la forma en que a menudo percibimos los recuerdos lejanos.
El artista utiliza la luz como un agente disolvente de la
forma.
El Umbral de la Memoria; es una obra de gran introspección.
Logra capturar la dualidad de la experiencia humana —el anclaje físico (tierra)
frente a la conciencia trascendente (luz)— y utiliza la figura humana como un
mapa emocional de los recuerdos.
La obra no es solo una pintura para ver, sino una meditación
sobre la identidad construida a partir
de sensaciones y memorias encapsuladas en el cuerpo. Es una
invitación a detenerse en ese
umbral donde la sensación cruda se eleva a la categoría de
conciencia.
COLOMBIA
Eduarte Gámez Aroca
Título: La Rana
Autor: Eduarte Gámez
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 65 x 50 cm
Año: 2025
País: Colombia
La
mirada de la joven, ligeramente desviada, trasmite una mezcla de introspección
y melancolía. La pincelada sugiere movimientos, cómo si una brisa invisible
atravesara la escena. Sin embargo, el elemento más llamativo y simbólico es la
rana verde posada sobre el hombro: vibrante, casi irreal en su intensidad
cromática, rompe la armonía sutil del retrato y se convierte en un punto focal
cargado de significado.
Título: Guacamayas
Autor: Eduarte Gámez
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 60 x 70 cm
Año: 2025
País: Colombia
La obra despliega una escena de fuerte carga simbólica dónde lo humano y lo natural se entrelazan en una composición armónica y casi ritual. En el centro, el rostro de una mujer de rasgos indígena emerge con serenidad, envuelto en una luz suave que la convierte en eje espiritual de la pintura
Artista
visual colombiana. Su práctica se ha centrado, para este caso, en el grabado.
Un medio de exploración plástica y conceptual, al abordar las técnicas de punta
seca y la placa perdida en linóleo. Su propósito es reflexionar sobre los
oficios tradicionales, la memoria y la relación entre el ser humano y la
materia, procesos que implican incisión, huella y transformación, su obra propone
una mirada sensible sobre la permanencia de los saberes ancestrales en un
contexto contemporáneo marcado por la aceleración y la automatización.
Título: Pescador
Autor: Nancy Rodríguez Pinzón
Técnica: Punta seca sobre acrílico - papel
ecológico
Dimensiones: 49 x 26 cm
Año: 2025
País:
Colombia
Realizado
mediante la técnica de grabado en punta seca sobre acrílico. Evoca el júbilo de
un oficio ancestral en el que el trabajo humano garantizaba el sustento vital,
no solo para la familia, sino también para la sociedad. En este escenario, el
río y el mar persisten como las únicas fuentes de subsistencia, recordándonos
territorios donde la vida aún depende directamente de la naturaleza. La red se
configura como un símbolo central: un tejido que enlaza al hombre con su entorno,
pero también una metáfora de la memoria cultural que resiste al olvido frente a
los procesos de automatización. La imagen, atravesada por el esfuerzo físico,
propone una reflexión sobre las pérdidas invisibles que acompañan el reemplazo
del trabajo humano por la eficiencia de la máquina. En ese gesto, la obra no
solo representa un oficio, sino que resguarda una forma de habitar el mundo.
Título: Tallador
Autor: Nancy Rodríguez Pinzón
Técnica: Placa perdida - Grabado en linóleo
Dimensiones: 35 x 35 cm
Año: 2025
País:
Colombia
La
narrativa continúa al profundizar en oficios que, aunque vigentes, se encuentran
en constante transformación. Trabajar la técnica de placa perdida en linóleo se
convierte en una metáfora visual del compromiso irreversible del artesano: un
proceso sin retorno que exige decisión y entrega. Esta técnica implica la
destrucción progresiva de la matriz para dar paso a nuevos colores, un gesto
que encarna la naturaleza misma del acto de tallar. Cada incisión agrede el material,
deja huellas que no pueden deshacerse. El sombrero, trabajado con una textura
circular, se convierte en el punto focal de la obra. Más allá de su función,
sugiere una protección simbólica del pensamiento y la concentración de quien
transforma la madera. En las manos, la tonalidad roja alude al esfuerzo físico
inherente al proceso creativo: un vínculo directo entre la idea y la forma.
Así, la obra se configura como un acto de paciencia y resistencia frente a un
entorno cada vez más acelerado.
Título:
Fragmentos de nosotros
De la serie: Archivo de miradas
Autor: Sandra Milena Pérez Acevedo
Técnica: Acrílico sobre madera
Medidas: 25 x 35 cm, c/u
Año: 2026
País: Colombia
Esta obra surge de la observación intima de mi entorno
familiar construida a partir de registros fotográficos propios. A través de la
fragmentación del rostro y el enfoque exclusivo de las miradas, propongo una
lectura donde la identidad no se define por la totalidad del cuerpo, sino por
la presencia emocional contenida en los ojos. Cada fragmento corresponde a un
miembro de mi familia, generando una composición que, aunque dividida se
mantiene unida por el vínculo afectivo, la obra plantea una reflexión sobre la
intimidad, la memoria y la forma en que reconocemos al otro más allá de lo
visible encontrando en la mirada un espacio común de conexión.
Título: Memorias de la abuela
IV: La casa
De la serie: Memorias de la abuela
Autor: Sandra Milena Pérez Acevedo
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Año: 2026
País: Colombia
Nació en Bucaramanga, Colombia, en el año de 1979. Es
artista plástica y egresada de la Escuela Municipal de Artes de Bucaramanga en
2023. Su obra refleja las vivencias y convivencias con las aves, temática que
ha desarrollado desde la infancia, inspirada por las ilustraciones naturalistas
del artista colombiano Daniel Narváez.
Paralelamente, se especializa en retratos personalizados de
mascotas, en los que explora la sensibilidad, el vínculo afectivo y la
identidad de los animales. Inició su formación artística en el año de 1990, a
los once años de edad, en la Dirección de Cultura Artística de Santander
(DICAS).
En 1996 amplió su formación en fotografía, escultura, dibujo,
pintura y grabado, este último bajo la guía de César Chaparro. Posteriormente,
complementó su aprendizaje mediante talleres con reconocidos maestros como
Miguel Guerrero, Jorge Mantilla Caballero y Jaime Alba.
Ha participado en exposiciones colectivas a nivel regional en
Bucaramanga y Girón, así como en muestras internacionales en México, Italia,
Argentina, Perú y El Salvador.
Instagram: @angiemur_arts
Titok: @vecinidogs
Retratos especializados de mascotas
Título: Roma
Autor: Angie Mur
Técnica: Mixta sobre papel acuarela
Medidas: 16 x 14 cm
Año: 2026
País: Colombia
Se realizaron dos obras en técnica mixta de pequeño formato sobre papel de acuarela, centradas en la representación de mascotas desde una interpretación personal y emocional del artista.
La primera obra retrata a Roma, una perrita de raza bulldog francés de dos años. La artista, cautivada por su presencia, tomó una fotografía de referencia y la reinterpretó desde su propio lenguaje visual, buscando capturar no solo su apariencia, sino también su esencia.
Título: Lola
Autor: Angie Mur
Técnica: Mixta sobre papel acuarela
Medidas: 18 x 12 cm
Año: 2026
País: Colombia
La segunda obra corresponde a un encargo personalizado de
Lola, una gata que falleció algunos años atrás y que fue retratada como
homenaje solicitado por su dueña.
Para su realización, la artista investigó los colores
favoritos de la propietaria e incorporó una luna como elemento simbólico de
fondo, en alusión al nombre de su perfil de red social “Lala Luna”, creando así
una conexión poética.
Los animales son un gran ejemplo para nosotros los seres
humanos, un corazón puro y un carácter espontáneo.
Pintor,
dibujante y fotógrafo, nacido en Pamplona, Norte de Santander, en 1976. Estudió
para Maestro en Bellas Artes en la Universidad Industrial de Santander y Licenciatura
en Matemáticas y Computación en la universidad de su ciudad natal. Es profesor
de matemáticas y artística en un colegio oficial en Floridablanca. Su obra
artística se destaca por un estilo realista, con notable influencia de los pintores
del realismo norteamericano. Ha participado en diversas exposiciones como:
2021,
10 Salón MIRE de artes visuales, memoria, identidad y región, Piedecuesta.
2022.
Seleccionado Salón Nacional de Pintura organizado por la Academia de
Artes
Guerrero. Bogotá.
rafaelvalen@hotmail.com
Instagram:
@rafaelvalenzuelarueda
www.artstasdelatierra.com/artistas/valenzuela
Título: El Cordero de Dios
De la serie: Miradas de Cristo
Autor: Rafael Valenzuela Rueda
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 70 cm
Año: 2025
País:
Colombia
Título: El Maestro
De la serie: Miradas de Cristo
Autor: Rafael Valenzuela Rueda
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 35 x 28 cm
Año: 1999
País:
Colombia
El
rostro de Cristo ha sido, a lo largo de la historia del arte, un enigma
persistente. Sus primeras representaciones se remontan a las comunidades
cristianas primitivas, que buscaban recrear la imagen de su líder y esperanza
espiritual. Aquellos primeros rostros eran esencialmente iconográficos y
sintetizados; con el tiempo, surgió el deseo de aproximarse a una imagen más
humana, capaz de reflejar su condición de hombre encarnado y de generar
identificación entre los devotos y seguidores de la fe cristiana. En la
actualidad, el rostro de Cristo continúa materializándose a través de múltiples
medios, como el cine, el teatro, el comic, entre otros, así como mediante recreaciones
surgidas de sueños, visiones o imaginarios colectivos. Ya sea a partir de una
idea ancestral o de interpretaciones originales y sinceras, estas representaciones
parecen converger en una noción compartida de un mismo rostro, aunque con
sutiles variaciones. En esta propuesta, se plantea la utilización de rostros de
actores del cine como punto de partida para la recreación de la imagen de
Cristo. Se presentan dos obras: una en estilo pop y otra en un lenguaje realista;
ambas constituyen interpretaciones distintas de un mismo Dios hecho hombre. Si
bien no se conoce con certeza su apariencia, estas piezas buscan evocar, desde
la sensibilidad artística, el sentimiento y el carácter atribuidos a Jesús.
Rossely Ramírez Villamizar
rosselyrayando@gmail.com
Título: Ex – pecies / Bagre
rayado
Autor: Rossely Ramírez Villamizar
Técnica: Mixta sobre retablo
Dimensiones: 40 x 180 cm
Año: 2020
País: Colombia
DETALLE
EX – PECIES/ BAGRE RAYADO
Esta propuesta busca sensibilizar y concientizar a la comunidad en general, sobre la importancia de contribuir a la conservación de las riquezas naturales tanto de hábitats como de especies que no sólo han sido emblemáticos en la región, sino, además la base comercial de un territorio, y la principal fuente alimentaria de muchos hogares por generaciones.
El Pseudoplatystoma magdalenita más conocido como bagre
rayado del Magdalena es el pez más grande de este río y llega a medir 1,5
metros de longitud y aunque esta especie es propia de esta cuenca, hoy en día
está catalogado por la Unión Internacional para la Conservación de la
Naturaleza (UICN) como especie en peligro de extinción, así mismo, en el libro
rojo de peces dulceacuícolas de Colombia se encuentra en peligro crítico CR
(A1d)1.
Esta categoría se debe a que en los últimos años ha sido tan
explotado de manera irregular al ser el más pescado por su alta demanda en el
mercado, sobrepasando los estándares de sobrepesca y métodos de extracción,
como del volumen de aprovechamiento estipulado en 80cm la talla mínima legal en
ejemplares jóvenes, sumado el deterioro y la degradación de sus ambientes acuáticos
que se encuentran amenazados por el vertimiento de sustancias tóxicas
provenientes de las prácticas mineras artesanales cuyos residuos desembocan en
la cuenca baja y media del río, ha superado el umbral de concentración de
mercurio en estas especies de 0,2ug/gramo a 0,5ug/gramo.
Según los estudios realizados por la (UICN) cuando el nivel
de consumo es alto, el metal pesado es acumulado en el organismo de modo
liposoluble sin probabilidad de expulsión. El bagre rayado al ser el depredador
mayor de este ecosistema se alimenta de otros peces menores contenedores
también de sustancias contaminantes generando una cadena trófica (transferencia
de materia orgánica entre una cadena de seres vivos de una comunidad biológica)
estos peces al ser el eslabón más alto como predador presentan una
biomagnificación en la gran cantidad de sustancias tóxicas en su organismo.
Teniendo en cuenta que el bagre rayado es uno de los peces
más apetecido en la dieta de los habitantes de esta región, se hace preocupante
el estado de contaminación en que se encuentra esta especie, dado que el
mercurio ingerido en altas concentraciones genera alteraciones en el sistema
nervioso, afecta la memoria, afectaciones renales, compromete la visión entre
otras afecciones, siendo importante generar espacios de concientización sobre
las condiciones de deterioro y degradación en que se encuentra algunas especies
y sus hábitat de la región del magdalena medio. En este sentido la pieza
artística ha sido conformada a partir de formas abstractas y de la aplicación
de patrones y pautas básicas propias del dibujo, sobre una superficie que
conforma la silueta de un ejemplar del bagre rayado de 45cm de longitud, medida
que corresponde al tamaño con el cual son extraídos de su hábitat en la actualidad.
Sobre esta imagen se disponen dos siluetas superpuestas a una escala mayor referente,
al tamaño real que alcanzaba un bagre adulto en décadas anteriores alcanzando
una longitud entre 80cm y 1,5 metros.
Mario Pilonieta - Mapiru
De Bucaramanga, Santander, radicado en Bogotá. Comienza su carrera como una respuesta a sus deseos conforme a sus aptitudes artísticas, que durante años concibe como el modo de vida en medio de la experimentación, encontrando su línea más clara en estos tiempos presentes, donde denota el progreso de sus planteamientos y propuestas pictóricas y creativas anexados con metáforas conformando una mixtura en su proceso entre idea, objeto y discurso.
Título: Transición
Autor: Mario Pilonieta - Mapiru
Técnica: Óleo a espátula sobre tela
/madera
Medidas: 47 x 36 cm
Año: 2026
País: Colombia
Autor: Mario Pilonieta - Mapiru
Técnica: Óleo a espátula sobre tela
/madera
Medidas: 47 x 36 cm
Año: 2026
País: Colombia
La propuesta parte de una conexión de sentimientos humanos con metáforas fantásticas discursivas, como lo es el caso de “Transición” el lugar romántico, nostálgico, en que se convierte el primer espacio habitable donde nace y crece el hogar, que traen a la memoria experiencias de todo tipo. “Castillos de piedra” se reflejan como grandes contenedores sólidos, fríos, de dureza inquebrantable, de vivencias que aluden a sentimientos de poder e intrigas.
Claudia Patricia Peñuela Rueda
Título:
Zorro de luna.
Autor: Claudia
Patricia Peñuela Rueda
Técnicas: Grabado
Plancha: 26
× 17 cm
Impresión:
35 × 25 cm / sobre papel.
Año: 2022
País:
Colombia
Título: Cortinas
de Mujer.
Autor: Claudia
Patricia Peñuela Rueda
Técnicas: Grabado
- punta seca.
Plancha 26 X
17 cm
Impresión:
35 X 25 cm / sobre papel
Año: 2022
País:
Colombia
