II Muestra Internacional de Arte GRUPO AGOSTO
Por: Mario Pilonieta Rugeles
Arquitecto y Artista Visual contemporáneo -
Continuando con la programación de la Muestra "Contra Vía Vida", que vá cada mes hasta septiembre del presente año, La Galería Virtual GGALA se complace en presentar en este mes de agosto, un selecto grupo de artistas profesionales internacionales, con su obra reciente creada en distintos géneros donde cuentan a través de ella cuáles han sido sus procesos, que van desde la subjetividad a partir de la mirada interior y la objetividad de nuestro entorno como la cotidianidad y la percepción de la naturaleza y el espacio urbano, afrontadas desde diversas perspectivas, como la contemplación hasta la reflexión de narrativas en aspectos sociales y de memoria, con intenciones basadas en experiencia propias que dan forma estético - plásticas.
Para el mes de Diciembre la Sala Virtual en sus 10 años de creación, espera celebrarlo con la participación de todos los artistas plásticos y visuales, presentando una obra en cualquier modalidad junto con su ficha técnica.
Rossely
Ramírez Villamizar, Maestro en Bellas Artes de la Universidad Industrial de
Santander, Colombia, 2012, y Especialista en Educación Artística de la
Universidad de Pamplona 2019. Ha desarrollado su proceso apoyándose en el
dibujo como medio de expresión, plasmando de manera libre y espontánea las
imágenes, tanto de lugares, como de situaciones que percibe durante sus
recorridos y exploraciones constantes. Su intención en las propuestas
artísticas es realizar a través del dibujo una síntesis gráfica de la
percepción e interpretación del paisaje cotidiano y de las formas que se
encuentran en el entorno próximo, incursionando de esta forma en el ámbito del
actuar contemporáneo desligandose de cierta manera de cualquier representación
convencional; sus propuestas se
encuentran incrustadas dentro de un lenguaje visual propio y creativo.
Rossely Ramírez, a partir del valor expresivo de la línea busca conformar espacios, que constituidos desde siluetas logren efectos de volumen y perspectiva a través de la percepción. La disposición de sus creaciones sobre superficies de pequeño formato le permite enriquecer el dibujo con elementos complementarios que parten desde el punto hasta el color, que aplicados de manera esporádica otorgan ritmo a sus composiciones, a la vez que se fortalece con el minucioso detalle y la vitalidad que brindan las variaciones e intensidades de la línea.
Rossely Ramírez, a partir del valor expresivo de la línea busca conformar espacios, que constituidos desde siluetas logren efectos de volumen y perspectiva a través de la percepción. La disposición de sus creaciones sobre superficies de pequeño formato le permite enriquecer el dibujo con elementos complementarios que parten desde el punto hasta el color, que aplicados de manera esporádica otorgan ritmo a sus composiciones, a la vez que se fortalece con el minucioso detalle y la vitalidad que brindan las variaciones e intensidades de la línea.
Sus
exposiciones individuales: 2018. FÉMINAS/ “El milagro más grande de la
naturaleza”. Casa del libro Total. Barrancabermeja. /
2018.
Cartografía de Paisaje. Casa del Libro Total Barrancabermeja.
2013.
Programa nuevos talentos. Cámara de Comercio. Bucaramanga Además de sus 20
colectivas entre sus distinciones está el reconocimiento por la I Recopilación
de historias de vida, homenaje a los artistas de la región del Magdalena Medio,
2013. / Primer Puesto modalidad Dibujo,
III Salón MIRE, Santander.
Alicia
Guzmán Cifuentes, Artista Plástica Chilena, formada en la Escuela de Bellas
Artes de Antofagasta. Su interés se fundamenta en el conocimiento y práctica de
diversas técnicas, partiendo primordialmente desde el lápiz como medio
indispensable para plasmar sus ideas basadas en motivos que narran sus
vivencias y experiencias personales. Dentro de su proceso de formación
despierta su interés por medios que siempre le apasionan, así que estudia
grabado desarrollándose en todas sus modalidades; posteriormente se especializa
en el acrílico donde encuentra su potencial que le permite resolver en sus
obras situaciones de acabado fino y transparente que le otorgan similares
cualidades que el óleo, además que le permite incursionar de esta manera en un
medio de expresión que surge en este período contemporáneo.
El realismo, el surrealismo y el hiperrealismo predominan en sus creaciones pues a través de ella otorga al observador el privilegio de contemplar y apreciar su obra en su primer contacto para posteriormente incursionar en un diálogo de reflexión sobre problemáticas que atañen al ser en medio de una sociedad convulsionada. Sus obras permite diversas lecturas, que comunican sensaciones respecto a la disposición y composición de sus formas; por tanto en su obra “Viajera” aplica coherentemente medios pictóricos desde la fluidez y transparencia del pigmento y la monocromía del color mediante tierras naturales que se encuentran en el norte de su territorio o región. Mientras en la obra “Desolación” podríamos interpretar la tristeza de la modelo, o quizás su soledad, su dolor, o una meditación de lo que puede estar sucediendo o afectando su vida; la técnica sutil, difuminada y de una policromía delicada produce reacciones que incitan a la impotencia de poder consolarla.
Como complemento a su aprendizaje, realizo un curso de Restauración en papel y caballete en Cuba, ampliando sus conocimientos en la técnica y utilización del material para pintar. El arte vibra desde su infancia, según comenta la artista, pudiendo ejecutar sus creaciones en cualquier disciplina. Su inspiración y motivación la encuentra en el estudio del arte y su admiración se inclina por los grandes maestros de la historia universal como Claudio Bravo, René Magritte, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Caravaggio, Degas y Salvador Dalí, etc., y a quienes de alguna manera han sido parte de su inspiración.
El realismo, el surrealismo y el hiperrealismo predominan en sus creaciones pues a través de ella otorga al observador el privilegio de contemplar y apreciar su obra en su primer contacto para posteriormente incursionar en un diálogo de reflexión sobre problemáticas que atañen al ser en medio de una sociedad convulsionada. Sus obras permite diversas lecturas, que comunican sensaciones respecto a la disposición y composición de sus formas; por tanto en su obra “Viajera” aplica coherentemente medios pictóricos desde la fluidez y transparencia del pigmento y la monocromía del color mediante tierras naturales que se encuentran en el norte de su territorio o región. Mientras en la obra “Desolación” podríamos interpretar la tristeza de la modelo, o quizás su soledad, su dolor, o una meditación de lo que puede estar sucediendo o afectando su vida; la técnica sutil, difuminada y de una policromía delicada produce reacciones que incitan a la impotencia de poder consolarla.
Como complemento a su aprendizaje, realizo un curso de Restauración en papel y caballete en Cuba, ampliando sus conocimientos en la técnica y utilización del material para pintar. El arte vibra desde su infancia, según comenta la artista, pudiendo ejecutar sus creaciones en cualquier disciplina. Su inspiración y motivación la encuentra en el estudio del arte y su admiración se inclina por los grandes maestros de la historia universal como Claudio Bravo, René Magritte, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Caravaggio, Degas y Salvador Dalí, etc., y a quienes de alguna manera han sido parte de su inspiración.
1997. MENCIÓN HONROSA, Concurso Rincones
de mi Ciudad.
1999
SEGUNDO LUGAR, Concurso Rincones de mi Ciudad.
2001 PRIMERA MENCIÓN HONROSA, Concurso Rincones de mi Ciudad.
2003
PRIMERA MENCIÓN HONROSA, Concurso Millones de Estrellas,
Empresa Enaex.
2004. SEGUNDO LUGAR, Concurso Rincones
de mi Ciudad.
2005
PRIMER LUGAR, REGIÓN DE
ANTOFAGASTA, Concurso de Arte
Contemporáneo organizado por Cámara de Diputados de Valparaíso.
2006
SEGUNDO LUGAR, Concurso Rincones de mi Ciudad.
2007. SELECCIONADA, Concurso de Pintura
Realista Teraike de La Patagonia
2007
PRIMERA MENCIÓN HONROSA, Concurso Rincones de mi Ciudad.
2020. SELECCIONADA en Concurso
Internacional “While Nobody’s Watching”
People & Paintings Gallery de New york.
aliciaguzman.blogspot.com
Omar Moreno, Maestro en Artes
Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia y especializado en
grabado en el año 2000, explora en los objetos encontrados para descifrar la
poesía oculta que subyace en su imaginario a través de la composición de sus
ideas; accede a la memoria desde lo temporal y material, resignificándolo para
dar sentido a los disímiles objetos. Para tal fin hace uso del grabado como
parte para crear sus obras, una herramienta milenaria que permanece, y por
consiguiente la reafirma permitiéndole sobre los objetos conformar lecturas de
valor que parten de lo desvalorizado por el abandono, el olvido o carencia de
importancia; Así es que su fotografías memorables familiares, como sus cartas y
cuadernos personales se confabulan con latas, hierros oxidados, maletas,
vidrios , sábanas viejas que quizás cuentan historias de vivencias y sueños
nunca revelados, servilletas, individuales y demás objetos o cosas que forman
parte de la cotidianidad donde se registran tradiciones de meza, de la palabra,
etc., para construir y transformar con una intención que de sentido a una nueva
experiencia estética que estimule la sensibilidad y trasmita nueva emociones
dentro del ámbito contemporáneo de la expresión plástica.
El
Maestro Omar Moreno ha construido de esta manera por varios años una
cartografía a manera de diario, sobre
chatarra, sábanas de hospital, periódicos engrasados, vidrios enmohecidos y
maderas podridas para construir su poética en torno a la acción del tiempo
sobre sus propios archivos. Su obra se instala en el panorama del país, como
una reflexión en torno a la desmemoria nacional, un mal que aqueja no sólo a
Colombia.
Dentro de su proceso ha realizado trabajos en
espacios no convencionales como la zona de tolerancia en Bogotá con el
proyecto: “Sus Miradas”. / La instalación de “Poemas-objeto” en
plazas de mercado como la del barrio Las Ferias en Bogotá. / El proyecto de
arte postal “Artescopio”, en panaderías, monta-llantas, remontadoras de
calzado y carnicerías. / La propuesta “Talleres La Pre(s)ición” sobre
un taller de mecánica que funcionó en el barrio La Reliquia en la que fue
alumno el maestro Antonio Caro, uno de los mejores artistas conceptuales del
país.
Hizo
parte del taller de poesía “Ruido Ciego” de la Universidad Nacional. / Del taller
de cuento fantástico “La Pluma Mágica”. / En la actualidad, es miembro de
la editorial cartonera “Amapola Cartonera”. / Evaluador de las propuestas del “Premio
Compartir al Maestro”, en el área de Educación Artística, en el 2014 y el 2015.
Dentro
de sus reconocimientos encontramos en el 2015: ganador de la Beca de Creación
Universidad de Cundinamarca y alcaldía de Engativá. / En el 2014: Mención
Honorífica “VIII Salón Internacional de Arte Postal en Homenaje al Libro,
Maracay, Venezuela”. / En el 2013: Ganador de la convocatoria “Becas de
Circulación Interdisciplinarte”, Dirección de Artes Ministerio de Cultura. / Ganador
de la Convocatoria “Concurso Local de Iniciativas en Artes Plásticas”,
Universidad Pedagógica de Colombia / Ganador del “Salón de Artistas de Engativá”
2009, 2010, 2011. / Primera Mención en el 2011: del concurso de cuento”Grandes
Contadores de Historias”, Fundalectura. / Además hizo parte en el 2013, de
los artistas que intervinieron el libro “El misterioso yo”, que
ingresó a la colección del MAMBO este mismo año.
Leonardo
silva, Artista Plástico Chileno. Su trabajo se concentra en esa extensa relación
entre hombre y Cosmos. Este cosmos al que pertenecemos quizás infinita en su
existencia o creada, produce un encuentro en la obra que involucra diversos
elementos, entre galaxias, ventanas, árboles y personajes que contemplan la
existencia. Se construye a partir de todos los elementos un lenguaje simbólico
y onírico que nos sumerge en nosotros mismos, en las emociones y en la
conciencia del ser humano que plantea constantemente interrogantes sobre
nuestros orígenes, la existencia, nuestra identidad y lugar en el Universo.
La
Astronomía como protagonista, juega un rol importante en busca de respuestas en
este misterioso mundo, permitiéndonos alcanzar las estrellas y conocer más
sobre su naturaleza y las similitudes con la humanidad, siendo parte incluyente
como unidad. El artista mantiene esa búsqueda constante, encontrando desde la
plástica, respuestas desde la contemplación mística de las estrellas que en
medio de su oscuridad permite el paso de matices que conforman nebulosas,
ventanas y planetas. El desierto como escenario alude a las sequedades del
Desierto de Atacama, su distancia, su soledad, además de la importancia de sus
cielos claros para la observación astronómica. Las puertas o ventanas actúan
como puentes conductores entre el cosmos y nuestra realidad interior,
permitiendo encontrar en el artista su fuente de inspiración, para crear esos
mundos cósmicos casi que inalcanzable para la humanidad.
Entre
sus exposiciones podemos destacar el concurso de Arte Joven de la Municipalidad
de Santiago, Castillo Forestal. *NAVEGACIONES ASTRALES, el trazo de una galaxia
en mi bitácora, Exposición en conjunto con el artista Ariel González, Cruz Roja
de Buin, 2014. / Exposición Navegaciones Astrales, realizada en conjunto con el
artista Ariel González, en la Municipalidad de Renca, 2014. / Exposición
Colectiva Arte Joven Buin, Centro Cultural de Buin, 2016. / Ilustrador en el libro “DONDE SUCEDE LA
MAGIA”, antología poética ilustrada de la poeta española Mireya Machí, lanzamiento
del libro exposición, 2017. / Segunda versión Exposición Arte Joven Buin,
Corporación Cultural Al Sur del Maipo, 2017. / Exposición Colectiva “Cúmulo”,
del Simposio de Arte, Astronomía y Educación UDP. Biblioteca Nicanor Parra, 2018.
Semana de la Educación Artística, Liceo Alto Jahuel, Muestra pictórica y taller
de dibujo, 2018. / Exposición en café-restaurant BON, Providencia, 2018. / “Maipo,
Naturaleza Indómita” en el marco del aniversario del pueblo de Maipo,
Biblioteca Pública de Maipo. Muestra itinerante en La Casa de la Cultura de San
Bernardo y en el Centro Cultural de Paine, 2018 – 2019.
Ludmila
Ciuloci, es una artista moldava, profesional egresada de La Universidad
Pedagógica del Estado "Ion Creanga", situada en la ciudad capital,
Chisinau, obtuvo estudios en la Facultad de Bellas Artes y Diseño, especialista
en Enseñanza de Bellas Artes, Especialista en psicopedagogía, y formación en
educación plástica para jóvenes. Actualmente radicada en la ciudad de Stefan
Voda (República de Moldova). Ludmila, se desempeña como maestra en Bellas Artes
con 21 años de experiencia donde imparte clases en diversas disciplinas como
pintura, dibujo, escultura, quema decorativa, composición e historia del arte, la
Escuela de Artes Maria Bieșu, además de gestionar exposiciones de nuevos
artistas.
La
pintura de Ludmila me generó un cierto misterio, por su color y como ha sido
resuelta. Una anciana que se cubre los labios para guardar silencio, un hombre
de características fuertes y rudo en apariencia, y un grupo de mujeres como si
estuvieran amordazadas ya sea con vendas o con sus propias manos y casi podría
concluir que un velo que les impidiera ver; indagando un poco para poder encontrar un indicio sobre su obra descubrí que escribe
poesía, unas son de su autoría y en otras cita a sus autores. Las relaciono entonces con
su obra donde encontré el predominio de retratos que van desde niños a retratos
de adultos. No son retratos comunes, cada retrato tiene su propia identidad, desde
sus gestos, pasando por su color correspondiente y la ausencia o plenitud de
la luz. Es una dicotomía al igual que sus poemas y escritos, donde interroga la
vida, la existencia y los dos mundos, el terrenal y el espiritual. Se interroga
y cuestiona por descubrir la realidad que le confunde, los sueños que parecen
más reales que la propia realidad; la ausencia de brillo, de luz, y la
oscuridad que se disfraza para evitar ser descubierta. La artista nos invita
casi mediante la evidencia plasmada en sus cuadros, a ser libres, a
expresarnos, a encontrar lo que a muchos nos falta, el amor, como tratando de
hallarlo para mostrarnos o enseñarnos otro mundo, un mundo mejor, que todos
esperanzamos algún día conocer, vivir y disfrutar. Como si experimentara tales
misterios del ser humano, Logra por lo tanto hallar la ternura que ve en algunos
de sus personajes para plasmarlos en sus lienzos, la dureza en otros, el dolor,
la fragilidad, la impotencia y muchos otras manifestaciones de quien padece
experiencias amargas o gratas. Su obra ha sido bien recibida y aceptada en
todas las esferas y culturas, porque son señales universales, que nos ponen a
prueba el propósito en este mundo. Desea encontrar el color cuando no hay luz y
la voz cuando hay silencio.
Como
medio de expresión emplea el acrílico, óleo y acuarela; sus obras se encuentran
en colecciones privadas en la República de Moldavia, Rumania, la República
Checa, Estados Unidos, Italia (Sicilia, Milán), Francia, Suiza, Irlanda,
Ucrania y Rusia. Desde octubre de 2015 participa activamente en un proyecto en
línea: “International portraits of portraits” a través de los cuales ha
interactuado con muchos maestros de arte y artistas en los EE. UU., Rusia,
Bielorrusia, Ucrania, India, Indonesia, China, Alemania, Italia, Francia,
Rumania, Colombia, entre otros.
Entre
sus exposiciones encontramos: 2014 - Exposición individual (al aire libre) con
el proyecto: "Juntos por el Parque Ion Palancean", ciudad de Stefan
Voda. / 2013 – “Actualidad” - Exposición individual, Hotel Marion, ciudad de
Stefan Voda. / 2010 - Participación en la exposición con ventas: "Arts
Evening-2010", organizada por el libro International Women's Club en
Moldavia, dentro del complejo de exhibición Moldexpo. / 2008 - Participación en
la exposición, "Arts Evening-2008", organizada por el libro
International Women's Club en Moldavia, Constantin Brincus Exhibition Hall. / 2004
– Colectiva: "Expo Art", con el Proyecto “Culture and
Civilization"
Jorge
Mella Sarria “JorMella”, Arquitecto y Artista Plástico Chileno emplea como
medio de expresión el óleo y los lápices de colores. Desde el año 2010, a
través de la temática de la mayoría de sus obras pictóricas y muestras individuales, se ha dedicado a
retratar la identidad de los pueblos salitreros y nortinos, en una búsqueda
personal de su legado patrimonial. Ha participado en un importante número de
actividades artísticas y exposiciones colectivas con el fin de fomentar el arte
de la zona norte.
Dentro
de sus premios y reconocimientos tenemos: Primer lugar en el certamen nacional
“salón de Arte Contemporáneo” de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de
Santiago, Chile, con la obra: “Aires del Maipo”, año 2020. / Primer lugar en
certamen nacional “salón de otoño” de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de
Santiago, Chile, con la obra: “Temprano al sol”. / Décimo segundo lugar
Certamen internacional “Mientras nadie nos está mirando”, galería People and
paintings gallery, de Nueva York, EEUU, con la obra: “Latones de Humberstone”.
Silvia Beckmann, diseñadora en comunicación y Terapeuta de
arte iA. Nace en Gotinga, Alemania y crece en Baviera. “Mis dibujos y pinturas
son creados con amor y pasión, y siempre
ansiosa por dar vida a un hermoso recuerdo o una idea maravillosa con un
bolígrafo, pintura y pincel.”
La
artista Silvia, prioriza el dibujo también como la estructura básica en las más
diversas áreas del arte, un requisito indispensable en forma de bocetos y
estudios. Cualquiera frente a un
dibujo hecho a mano experimenta la magia que aquella imagen transmite. Se
acopla a los múltiples utensilios artísticos para crear una obra, como el
carboncillo, el grafito, los lápices de
color, tiza pastel, pluma, tinta, marcadores a base de alcohol, aplicados en grandes formatos y la
creación de excelentes obras de arte. Para la artista cada técnica tiene
su propio encanto especial y en su combinación produce una amplia variedad de
técnicas mixtas, incluida la tecnología de collage o impresión y el
procesamiento digital, pueden respaldar el proceso de diseño.
Silvia
ha construido su proceso en medio de la formación en una experiencia colectiva,
desarrollada en talleres con niños y jóvenes; de ellos aprende la ingenuidad de
la expresión y comunicación, sin resabios que se acumulan durante la etapa de
maduración en el oficio cuando se llega a adulto; por eso para la artista el
arte es un camino terapéutico donde se expresa libremente las ideas,
acompañadas de sentimiento y emoción. Las obras para esta exposición
representan sus producciones, como la niña en la playa, que en esta época de
confinamiento toma otro sentido, el del recuerdo de épocas cuando los infantes
podían sin temor salir a recrearse en la playa, jugar con el mar y la arena. Las siguientes obras parten de la
imaginación trayendo a la memoria, formas reconocibles de la naturaleza, donde
se juega con el color y la forma desde
el expresionismo. Y la tercera obra recrear sueños, y fantasías, como en los
cuentos de hadas. En fin podemos comprender la pasión a la que alude la artista
pues es el reflejo del corazón de los niños viéndolo en lo profesional que
recoge los elementos importantes del que se constituye una obra. Además de sus
exposiciones, la Artista da preferencia
a las construcciones de proyectos, la cual ha llevado a las importantes salas
de exposiciones de su país.
Rafael Valenzuela Rueda:
Nacido en Pamplona, Colombia. Licenciado en Matemáticas y Computación de la
Universidad de Pamplona. Maestro en Bellas Artes de la Universidad Industrial
de Santander.
La
sensibilidad y percepción hacia el color forma parte del constructo plástico
cercano a la realidad contemporánea donde para Rafael, la vida y el mundo es
siempre visto en su esplendor color. Estas obras fotográficas expuestas son el resultado de la creación y observación en sus viajes a Europa recientemente.
Nota
periodística
PINTORES
COLOMBIANOS - ARTE
Artista
Invitado "Rafael Valenzuela Rueda" VISIONES
http://mcanzoategui.blogspot.com/2007/03/artista-invitado-valenzuela-rueda.html
http://mcanzoategui.blogspot.com/2007/03/artista-invitado-valenzuela-rueda.html
Marcelo Cadavid Ardila,
egresado de la Universidad Nacional de Colombia como Músico y radicado
actualmente en Alemania. Nace en Bucaramanga – Santander, en una familia
compuesta por artistas en donde cultivó su gusto y talento por el arte y la
música. Desde el año 2011 fue integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de
Colombia e hizo parte como intérprete de las principales agrupaciones
sinfónicas del país. Actualmente realiza estudios de postgrado en música en la
Universidad de Lubeca en el norte de Alemania. La fotografía es parte de su
pasión por el arte donde puede expresarse capturando su entorno.
Como
en la pintura y el dibujo la fotografía es un medio de expresión donde sus
instrumentos de trabajo son la cámara ya sea la tradicional análoga la cual
muchos todavía utilizan para sus creaciones como las digitales de hoy. Sus
técnicas van desde el manejo de la cámara para crear sus composiciones y
producir efectos adecuados que registran como lienzos sus ideas, y
sentimientos, a través de formas, colores, ritmos, contrastes y claroscuros. La
luz juega un papel fundamental en este oficio o arte. Podemos apreciar que sus
fotografías a color son bien escogidas y estudiadas, es cuidadoso en el momento
de seleccionar paisajes donde las sombras son muy armónicas, el color crea
contrastes y una composición magistral.
Sus
creaciones son abiertamente artísticas, minuciosas y de excelentes planos donde
se detiene en detalles y destaque de texturas. Su cámara apunta hacia el
extraordinario paisaje, de valor visual y emocional donde puede generar
contenidos narrativos.
Paz Mavel Sepúlveda Guajardo, es Licenciada
en Artes Visuales de La Universidad Mayor de Chile. La esencia o esencial de su
obra es el color pigmento como resultado de la descomposición de la luz, es para
la artista fuente vital de energía, que dan vida y fuerza a sus obras; es,
según la artista “como el esplendor propio de la primavera, cálida e invasora,
capaz de quitar el aliento con su belleza”. El color la apasiona desde sus
cualidades tonales y más aún sus contrastes vibrantes. Los Primarios con su
espíritu de transformación la cautivan y la transportan a un viaje infinito
sobre el arcoíris, para luego volver a la pureza y esencia de esos tres
hermosos recursos. En sí, El Color como elemento y base fundamental de la
pintura es el recurso predominante en sus obras cargadas de su energía propia,
que la llevan a crear composiciones poéticas y melodías musicales a través de
las formas. Por lo tanto su técnica desde lo material está basada en medios que
le proporcionan a sus cuadros color, que van desde el acrílico, el pastel seco
y graso, la crayola, los lápices de color y una combinación que culmina en una
técnica mixta.
Sus
proyectos pictóricos se enfocan en valorar los recursos naturales visibles en nuestras
riquezas contenidas en un mundo microscópico inorgánico, inerte y
concreto, en función del color y las formas. Un micro mundo que
recorremos permanentemente como parte de nuestro patrimonio natural, con su
construcción y formación geo - física creados a lo largo del tiempo por la
naturaleza, otorgándole un valor universal desde el punto estético.
Sus
obras actualmente corresponde a una construcción modular, que parten de
pequeñas imágenes fotográficas derivadas del estudio de la petrografía para el
análisis de rocas y minerales, con el objeto de construir una nueva realidad
macro abstracta problematizando la continuidad e interrupción entre módulos. La
exhaustiva selección de las partes, orientada por la forma y el
color, permite a través de la construcción modular transformar lo
inorgánico en una nueva realidad macro orgánica abstracta, que fluye, que
se desprende, que late. Para esta ocasión la artista selecciona dos obras
independientes en todo su esplendor para entender desde una manera más
aproximada la intención de sus creaciones y el significado a que se refiere.
Mario Enrique Gutiérrez Quijano,
Arquitecto y Artista Plástico, presenta su obra inmersa en el género
Hiperrealista, Su obra “Metrópolis” pintada en la Gran Vía de Madrid en época
de invierno. Su intención mostrar la fuerza de la estética urbana y
arquitectónica desde la perspectiva del ojo de la escultura logrando un acertado equilibrio en
las artes, por lo tanto en su obra “Sintropía del Paisaje” muestra la belleza
de la naturaleza como un sistema en equilibrio, que permite transformar la
materia en fuente de vida.
Mario
Enrique es un profesional ampliamente calificado en la planeación, el diseño y
la construcción de proyectos de vivienda, con amplia experiencia en proyectos
de diseño y Dirección de obras de vivienda y multifamiliares en Bogotá, con especial
énfasis en la optimización del espacio con la intervención y adecuación de
plantas físicas de diversas organizaciones empresariales.
Profesor
con alta experiencia en el área de Taller de Diseño e investigador obteniendo 3
publicaciones:
UNIVERSIDAD
LA GRAN COLOMBIA, Bogotá, Colombia 1996 – Actualmente / Profesor titular en los
Cursos del Componente de Proyectos de Arquitectura del Núcleo Profesional y de
Profundización / Director de Seminario de grado y Trabajos de Grado / Profesor
del curso de multifamiliar vivienda de interés social, profesor del curso equipamiento local, costos y
presupuestos.
UNIVERSIDAD
DE AMÉRICA, Bogotá, Colombia 2014 –
Actualmente / Profesor titular en los Cursos del Componente de Proyectos de
Arquitectura del Núcleo de Profundización / Director de Seminario de grado y
Trabajos de Grado; profesor del curso de Planteamiento arquitectónico.
ESCUELA
DE INGENIEROS MILITARES, MINISTERIO DE DEFENSA NACIONAL, Bogotá, Colombia 2018-2019 / Profesor de cátedra en los cursos
del Programa de Ingeniería a distancia / Profesor del curso del área de
investigación Semillero II y del curso de Conocimiento y administración de
Equipos
CENTRO
UNIVERSITARIO NTRA. SEÑORA LAS MERCEDES
(1981 – 1996) / Profesor titular en los Cursos del Componente de diseño
y Decoración de interiores / Profesor de los cursos de Materiales de
construcción y Costos y presupuestos /
Daniel
García – Trampe, Nace en la ciudad de Santiago de Chile, posteriormente al
Valle de Elqui, y luego a la ciudad de Linares, en la Región del Maule. El
dibujo siempre fue parte esencial en su vida, desde que ingresa a la Escuela de
Diseño Gráfico de la Universidad del BioBio en Chillán, Chile el año 1987. Incursiona
en diversas técnicas, desde la ilustración y arte digital, hasta el uso del Vino
como pigmento. Actualmente El artista “responde a un llamado primario y
sumerge el pincel en la copa, nutriéndose de los aromas, pigmentos y memorias
que después usará, para plasmar en el lienzo, aquellos seductores rumores
escondidos en una botella de vino. Expandiendo los límites del material rompe
su propia convencionalidad, cuando las diversas cepas pasan a ser la paleta con
la que configurará las distintas realidades impregnadas en sus pinturas”. El
artista ha ideado una nueva y original forma de utilizar el vino: lo utiliza
como protagonista en sus Piezas Artísticas, pintando sus lienzos con vinos de
Malbec, Syrah, Cabernet, entre otros. Su objetivo al usar vino es aprovechar
sus comportamientos, sus cualidades similares a las de las acuarelas y el abanico
de colores tras su oxidación: rojos, rubíes, morados, grises, azulados,
violáceos, pardos y marrones.
El
proceso de pintar con vino es de prueba y error". Durante el proceso de
elaboración de sus obras utiliza la oxidación del vino para obtener los
resultados de color deseados.
Rosario “IO” Celia Adachi, Artista
Plástica y Visual, de padres Colombo – Italianos, ha dedicado toda su vida a
las artes de una manera muy particular, pues a causa de sus dos nacionalidades,
su vida a transcurrido en medio de
viajes que ella misma las denomina como migraciones constantes; posteriormente
junto con su esposo emprenden una actividad que la mantiene también en una
constante experiencia de viajes, que le impiden establecerse en un solo lugar. Ha
visitado un buen número de países y se ha radicado por poco tiempo en cada uno
de ellos. En el 2019 aprovecha un viaje de permanencia corta en Bogotá donde
aprovecha su ocasión para participar en la Beca de Formación ARTBO – TUTOR y en
la que hace pocos meses tuvo que viajar para España donde reside actualmente.
Su obra se basa en la importancia y el valor de la mujer como ser
activo en todos los niveles del sistema de la sociedad donde se desarrolla,
como la política, la economía, la familia, el deporte, etc. La mujer como ser
humano quien tiene los mismos derechos a la igualdad que los hombres. La que
cuenta con voz y voto y que representa la imagen de mujer trabajadora,
luchadora. En su obra se destaca precisamente la imagen de rostros de mujeres
que va conociendo en diferentes culturas, plasma sus rostros anónimos, aquellas
que tienen que desempeñar roles en todas sus manifestaciones y muchas veces incomprendidas, la mujer con una
corona de rosas hasta la mujer que desfila muchas veces vista como un objeto
decorativo. Actualmente, cuenta en sus
obras a través de la instalación, historias de vida propia y de migrantes que
va conociendo. Registra por medio del bordado huellas de cada experiencia,
marcas o vestigios de sus padecimientos, rechazos y de su dolor por no
estabilizarse territorialmente pero que los llenan de conocimiento y fortaleza
inclusive desde la misma fragilidad.
Marisol Pérez Carniglia, nace
en Santiago de Chile. Desciende de familia de artistas, desde pequeña muestra
interés por la pintura y otras expresiones artísticas.En el año 1969, al
egresar del colegio, ingresa a la Universidad Católica de Chile a estudiar
Enfermería, titulandose en 1973.
Su
interés por el arte la lleva a compatibilizar su trabajo con la pintura en
forma autodidacta, esporádicamente incorporándose a algunos talleres
particulares de pintura, siendo alumna de la destacada pintora Matilde Pérez,
Alberto Mandel, Patricia Muratsuka y Camila del Río. Desde el 2012 se dedica de
lleno a la pintura al óleo, integrándose al taller del pintor Alex Pérez hasta
el año 2019. Actualmente en el taller del destacado pintor Marcelo Larraín. Su
pintura es realista y de temática variada. El hilo conductor son objetos
cercanos, que la acompañan en su vida cotidiana y lugares que le son
significativos.
Premios
y Distinciones
2020
Segundo Lugar en Técnica Mixta, en primer Salón Virtual de Pintura
Contemporánea de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Chile.
2020
Mención Honrosa en Óleo sobre Tela, en primer Salón Virtual de
Pintura Contemporánea de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Chile.
Erika Madrid, Artista Plástica,
fotógrafa y poeta de universos propios perteneciente al Grupo Literario Signos. “Soy de Argentina, vivo en la provincia de
Buenos Aires en una ciudad costera - Villa Gesell. Hace unos años, cuando las letras
por unos meses no quisieron aparecer, me vino de la nada una ansiedad terrible
por un lienzo y algunas pintura, entonces pinté; luego volvieron las letras,
más cuando deciden volver a irse tengo con que jugar...” (año 2007).
La
obra pictórica de Erika, son poemas en prosa, que nace del sentimiento
profundo de su alma, del amor, de la alegría, de la felicidad, de los sueños y
definitivamente de todo el interior de su propia naturaleza. Los fenómenos naturales y la naturaleza misma son fuente de inspiración donde en ningun momento descarta la presencia de ser humano, siendo este protagonista principal de sueños, sensaciones y emociones. Su prosa la convierte en sinónimo de percepción y abstracción de sus propias vivencias tanto reales como imaginarias que cobran vida propia.
Luz Haylén Lizcano Páez, estudio Arte, Diseño y Decoración de Interiores en el Centro Universitario ITAE de Bucaramanga; desde 1980 combina sus experiencia artística con el Diseño de Modas, y se ha desempeñado como docente en el área de Diseño de modas y artes plásticas en distintas instituciones de Bucaramanga y Bogotá. Su inspiración nace de la cotidianidad y de la contemplación del paisaje natural llegando incluso a la abstracción pura; en esta ocasión experimenta con un tema que encierra el momento de crisis en la que el ser humano no esperaba encontrar y afrontar, pero que a través de la historia ha sabido superar con creatividad y valor. Entre sus diferentes técnicas que maneja nos presenta este díptico donde nos muestra muchos estados en que a veces nos encontramos; encrucijadas que a manera de historia narran sus sucesos desde momentos de encierro, sus tramas, sus conflictos y sus inminentes desenlaces; los peces como ejemplo al encontrarse entre las redes luchan por su supervivencia instintiva en la que pocas logran liberarse o escapar. Es como para el hombre el encierro, el túnel donde al final encuentra una luz de esperanza, de salida a sus propios desiertos. Para Luz Haylén sus soluciones pictóricas son muy libres en sus trazos, se muestran fugaces porque según la artista su interés es atrapar ese destello de imaginación que surge de una idea concreta.
Mario Pilonieta Rugeles,
Arquitecto y Artista Visual, estudió Arquitectura en la Universidad Santo Tomás
de Bucaramanga y desde 1978 que comienza a transitar los caminos del arte, se
ha preocupado por formarse en el campo de las Bellas Artes a través de talleres
y seminarios, a su vez que se ha desempeñado como docente en distintas
instituciones en diversas áreas de las artes plásticas. Después de expresarse
en distintos estilos muy propios desde su formación empírica y empleando
técnicas más desde el experimento que desde lo académico, se encuentra hoy
incursionando en lo emergente. Su intención de participar en estos espacios de
confinamiento, es más de acompañar a los artistas, en estos momentos donde
surgen muchas ideas.
En esta oportunidad ya que estoy permanentemente con mi celular en la mano no deje escapar dos ideas espontáneas que me permite contarle su pequeña historia. La primera con la fotografía “La mirada oculta” nace de un instante en que mi esposa me pregunta qué hacer con esa ventana que nos regalaron, pues yo ando diciéndole a todos mis vecinos y amigos que antes de echar a la basura sus basuras, me la lleven a mi casa para ver si en algo me sirven. Me gusto cuando la vi observando por esa rotura y le pedí que se estuviera congelada por un momento mientras aliste mi celular y la capturé. En la Segunda fotografía “En Bolsa Dos” son mis dos nietos que viven con nosotros en esta época mientras sus papás salen a rebuscar el trabajo. Todos los cachivaches o basura que me regalan y voy acumulando en la terraza de mi casa, las tengo cubierta con un gran plástico negro para protegerlos de la lluvia y el sol, y mis nietos se esconden debajo de ese plástico para jugar; cuando los estuve buscando se asomaron por debajo del plástico con sus tapabocas puestos, y me surgió la idea de tomarles una foto como escondidos en el plástico para protegerse de covod19, pues su uso tiene a veces un significado contrario, se emplea en ocasiones para empacar a los muertos, las basuras etc.
En esta oportunidad ya que estoy permanentemente con mi celular en la mano no deje escapar dos ideas espontáneas que me permite contarle su pequeña historia. La primera con la fotografía “La mirada oculta” nace de un instante en que mi esposa me pregunta qué hacer con esa ventana que nos regalaron, pues yo ando diciéndole a todos mis vecinos y amigos que antes de echar a la basura sus basuras, me la lleven a mi casa para ver si en algo me sirven. Me gusto cuando la vi observando por esa rotura y le pedí que se estuviera congelada por un momento mientras aliste mi celular y la capturé. En la Segunda fotografía “En Bolsa Dos” son mis dos nietos que viven con nosotros en esta época mientras sus papás salen a rebuscar el trabajo. Todos los cachivaches o basura que me regalan y voy acumulando en la terraza de mi casa, las tengo cubierta con un gran plástico negro para protegerlos de la lluvia y el sol, y mis nietos se esconden debajo de ese plástico para jugar; cuando los estuve buscando se asomaron por debajo del plástico con sus tapabocas puestos, y me surgió la idea de tomarles una foto como escondidos en el plástico para protegerse de covod19, pues su uso tiene a veces un significado contrario, se emplea en ocasiones para empacar a los muertos, las basuras etc.
Alexandra Arango “ISIS”, “LA MUERTE: Tan lúgubre, tan incierta, tan
exacta. Ni un segundo más, ni uno menos. Nuestra sombra desde que nacemos”.
La artista nos presenta una danza en homenaje al fallecimiento reciente de su
Padre. Su magistral presentación recrea un escenario a través de la metáfora,
donde se reflexiona sobre la muerte; Se
dice que cada vez que llega una vida a la presencia de Dios, hay fiesta junto
con los ángeles. En lo terrenal, no logramos asimilar la partida de un ser
querido, en medio del dolor y la tristeza; recientemente también partió mi
Madre y todavía siento que se encuentra cerca y en cualquier momento vamos a
conversar como siempre solíamos hacerlo. La obra que me parece maravillosa es
una poesía de la vida y la muerte, donde luces de colores flotan en destellos
que confunden si son luciérnagas coloridas, o estrellas que titilan, o chispas
de fuego flotando; todas esas interpretaciones parecen surgir de la tierra,
donde llegamos a descansar después de la vida terrenal.
Miembro
activa de la red de mujeres artistas de Medellín, Colombia.
