Cada particularidad por
consiguiente se interroga a si mismo partiendo de "el cómo, el qué y por qué lo
hace"; La Galería a través de ello realiza un diagnóstico que permita regular y
equilibrar desde un balance equitativo la selección de cada obra expuesta y la
formación de quien la plantea o la crea. Tal formación no parte de sus
conocimientos y experiencias expositivas únicamente, sino de la madurez
adquirida desde su proceso creativo como construcción de experiencia por medio de la práctica, la constancia, la continuidad y pedagogías expansivas si fuese necesario para la construcción y transformación de sociedades. Como resultado uno de los aspectos básicos es la solución plástica de la estética que emerge desde la idea misma y no necesariamente desde la materialidad del objeto específico final, pues cuando la misma está contenida dentro los vestigios técnicos
atemporales, hacen de cada obra en particular un ente con belleza propia.
Andrea
Ocampo Artista Plástica Colombiana, estudió en la Academia
Superior de Artes de Bogotá – ASAB; desde muy temprana edad donde se descubre su
talento como artista participa en eventos, concursos y exposiciones que la han
llevado desde entonces a ganar premios y a recibir talleres y clases de arte; como
profesional egresada desarrolla su actividad como pintora, la enseñanza,
exposiciones y viajes fuera del país, para mostrar al mundo sus obras desde la influencia
de percepción mágica, forzando al espectador a hacerse sensible al complejo
entorno de su arte.
Los fundamentos que
contribuyen a la madurez de su obra van desde el estudio y conocimiento sobre
grandes maestros del renacimiento, del Barroco, a Francisco de Goya y otros maestros como Odd Nerdrum, Leonora Carrington y
Roberto Ferri que le han permitido proporcionar a sus obras elementos propios y
diversos que produzcan sensaciones conectadas entre sí con el mundo de los sueños, mitos, el psicoanálisis
y hasta la vida que pueda existir en otros mundos.
Bajo estas dinámicas, Andrea Ocampo Construye sus obras
complementando sus intenciones con ideas de poetas literatos e ideologías surrealistas
que la motivan a través de la consolidación de formas estéticas reconocibles, ir
más allá del primer contacto contemplativo del observador, a una dimensión que
propicie nuevas experiencias que conlleven a formular reflexiones desde
diversos aspectos culturales tanto materiales como espirituales; estos fenómenos
que parten de significados simbólicos sin intensiones narrativas o descriptivas,
interponen la línea de lo conceptual que configuran nuevas interpretaciones que
conduzcan al observador a establecer sus propias relaciones.
Es así que la obra “La
Tentación”, parte de un punto reconocible dentro de un contexto de Fe; un
elemento simbólico que divide al mundo en dos, donde nos deja a libre albedrio
la selección o elección de si seguimos en
descenso, o hallamos la puerta de salida hacia un nivel superior que una vez
nos correspondió en un escenario subjetivo que no es de este mundo. El hecho ha
sido consumado, es el estado del arrepentimiento, donde aún no es todo
oscuridad.
Por otra parte en la obra “Aprendiendo a volar”, el personaje protagónico ocupa el lugar central, de donde parte la artista para recrear sucesos en escenarios no reales que parten de reglas propias y de libre disposición de acuerdo a sus intenciones planteadas en un principio. Elementos como la esfera, la nube, los ojos cerrados del adolescente y la disposición del avión de papel, este último un instrumento de diversión de nuestra antigua niñez que hoy poco se ve, recrean un escenario surrealista y fantasioso, en una etapa donde el protagonista (adolescente) toma conciencia de que muy pronto dejara de ser dependiente; apunta por lo tanto sin intención de lanzarlo, hacia el vano de la ventana como preparándose en un pronto viaje hacia su propio mundo.
Dice Andrea: “Me importa obtener una serie de interesantes datos que me permitan elaborar un mundo onírico y fantástico. Me introduzco en un método espontáneo de conocimiento irracional, basado en la asociación interpretativa crítica de los fenómenos delirantes. Exponer al ser humano fragmentado por una degradación social y pintar esferas alusivas de temas de vida en otros mundos es algo importante para mí; juego con ideas, mitos y leyendas con base en estructuras fragmentadas, raras, quebradas o blandas, que correspondan a elementos humanos o animales, dando a conocer un tipo de manifestaciones surrealistas dotadas de un carácter claramente distinto al de otros”.
andreaocampoart.wixsite.com/Andrea /
www.instagram.com/andreaocampo_art
www.facebook.com/AndreaOcampoArt/
Elena Grin, Artista Plástica rusa,
nacida en Nalchik, Kabardino-Balkaria, una de las repúblicas de la Federación
Rusa. Actualmente vive y trabaja en Krasnodar. Desarrolla su pintura en
diversos medios y formas de expresión por lo que transita entre lo figurativo,
el paisajismo, el bodegón y la abstracción figurativa. Además de crear obras
construidas desde la imaginación basada en la representación de la realidad a
partir de ideas, también es una artista cuya mirada está dirigida hacia la
pintura a pleain air o pintura al aire libre. Entre sus diversos viajes entre ellos a
Italia, ha conseguido junto a otros
artistas, capturar diversas escenas y paisajes del país itálico, plasmando sus calles,
edificaciones, paisajes, panorámicas y sus hermosos cielos de aquel instante. Elena
Grin es miembro de Creative Public Organization The Union Of Russian
Artists desde 2011 y a su vez
también se desempeña como maestra en su propio taller de arte dirigido a
personas de diversas edades contribuyendo así al conocimiento del oficio y
concepto de la pintura. Según su estado logra enviar mensajes significativos,
resueltos según su intención desde la monocromía hasta una composición muy
armónica en tonalidades y colores, muy equilibrados en la distribución de
masas, conformadas por elementos propios seleccionados magistralmente
referentes a una cultura, a sus costumbres y a la identidad de quienes la
conforman.
Entre 1993
- 1997, obtiene el grado de Artista con Mención en Arte y Diseño en la Kabardino
- Balkarian College Of Culture And Art. En 2009 - 2011 realiza estudios en la
Escuela de Arte del Artista de Honor de Rusia, Sergey Vorzhev.
Reconocimientos:
1er premio en el concurso de arte moderno Fanagoria Art, Krasnodar, Rusia. /
Premio con el diploma de la Unión de Artistas de Rusia por su contribución al
desarrollo de las artes en Rusia. / Galardonada por su contribución al
desarrollo de las relaciones culturales entre Rusia y Turquía. / V premio en el
1er concurso internacional de Pintura de Café, WS- International Watercolor
Society, Londres. / Participa con su obra en numerosas exposiciones de arte en
Rusia, Europa y China.
Rodrigo
Retamal Jara, Artista Plástico con especialidad en pintura,
nació en la ciudad de Concepción, Chile. En 1998 viaja fuera de su país para
perfeccionar sus conocimientos en pintura, en la Academia de Arte Di Santo, Florencia,
Italia. En el año 2001 el destacado Doctor en Artes y Director de la Pinacoteca
de la Casa del Arte (Universidad de Concepción), Don Antonio Fernández Vílchez,
enfatizó: “El artista Rodrigo se preocupa
por lograr una fidelidad verista en sus temas, entonados con atmósferas
cálidas acordes a su equilibrada paleta…”
Desde esa perspectiva, el
Maestro Rodrigo expresa el amor a su tierra proporcionando un status en lo
concerniente a sus costumbres e idiosincrasia que inmortaliza sus producciones
desde sus valores patrimoniales; crea un vínculo de sentimiento profundo entre
su gente y el lugar, como entorno reconocible traduciéndose en criterios de
conservación. El discurso sobre la importancia y preservación del paisaje y su
gente describe una obra entre la calidez y atmósferas frías; un paisaje latente
que se recuerda y se siente en una reivindicación moderna y una cultura inmersa
en su propia naturaleza que transmite un sentimiento de lo sublime.
En sus 22 años de trayectoria,
el artista ha realizado diversas exposiciones a nivel nacional y en el
extranjero, algunas de ellas y más recientes tenemos:
(2019), Exposición “Chile País
de contrastes”, Palacio Yohn - Bilbao España. / (2018), Exposición “Encuentros”
- Galería Chela Lira, Antofagasta. / (2015), Exposición Itinerante “Lota
puertas afuera”, Centro Cultural Pabellón 83, Lota. / (2015), Exposición
Binacional Chile-Perú, “De sur a sur” - Galería Vinatea Reinoso, Arequipa Perú.
/ (2013), Exposición “De mar a cordillera”, Galería Pedro Luna - Los Ángeles. /
(2012), Exposición latinoamericana “Humano urbano”, Casona Cultural -La Reina, Santiago.
/ (2011), Exposición carpa cultural “Cuatro estaciones” - Galería Ilustre
Municipalidad de Valdivia. / (2011), Exposición “De norte a sur” - Galería
Pablo Neruda. / (2010), Exposición “Rincones de Concepción” - Galería Ilustre Municipalidad de Concepción.
/ (2008), Exposición “Buscando la luz” - Galería S-Color, Temuco. / (2005),
Exposición “Vice-versa” Galería Art K-Fe, Valparaíso.
Entre sus premios y reconocimientos tenemos: (2007), Primer lugar concurso “Cuerpos pintados” - Segunda feria regional del transporte, Concepción. / (2003), Primer lugar concurso “Penco pinta a Penco” - En conmemoración del aniversario de la ilustre municipalidad de Penco. / (1998), Mención de honor, concurso nacional “Nuestros pintores” - Instituto Cultural de las condes,Santiago. / (1996), Primer lugar concurso de pintura “Corporación de la Cámara de producción y del Comercio”, Concepción.
Rubí
Segura, Es Arquitecta de la Universidad Juárez Autónoma de
Tabasco (UJAT), y Diplomada en Fotografía del Centro de Comunicación de la
UJAT. Artista Visual Radicada en el estado de Tabasco – México, que incursiona
en diversas disciplinas como la fotografía y la pintura; sus propuestas tienden
a la caracterización de la forma por medio del minimalismo simbólico y la
sobriedad del color en sus composiciones.
Además de sus significados
simbólicos que registra en sus producciones por medio del color con contrastes que
definen o distinguen abiertamente la relación o comunión entre la luz y la
sombra, la artista recurre a la percepción de la materia como volumen que
registra sensibles texturas que producen sensaciones propias de la emotividad
plástica.
En principio, al observar la
obra de Rubí Segura, podemos establecer la influencia de la arquitectura donde
se denota una marcada y a la vez sutil representación del espacio que transita
por la senda del expresionismo abstracto, en donde el soporte o superficie que
la contiene se conjuga integralmente a la subjetividad de lo concreto. Poetizar
sobre obras de contención abstracta resulta casi un reto para el observador,
pues es a través del dialogo visual que sus reacciones de placer que estimulan
sus sentidos, interactúan con los
resultados emanados por el artista producto de sus acciones performativas que
por medio de sus emociones, sentimientos y pensamientos imparten ordenes desde
el cerebro como lenguajes que se extienden hacia sus extremidades que se
convierten en instrumentos o medios propios del creador para plasmar sobre el
lienzo. El observador por lo tanto puede a través de la imagen construir sus
propias lecturas con indicios cartográficos como resultados de sus
distribuciones sensitivas tridimensionales, o construir recorridos que surgen
desde la dimensión que es definida por
los elementos que recrean los espacios resultantes de las distribuciones
arquitectónicas.
La artista ha realizado
diversas exposiciones en su país, entre las individuales tenemos: 2017, Centro
Cultural Villahermosa – Colección La Ruptura. / 2016, Fotografía - Anagnórsis,
Casa de la Cultura de Tabasco, México. / 2013, Mi Ser, Plaza Altabrisa. / 2008,
Pasión Azul, Instituto Juárez.
Además de sus exposiciones colectivas y múltiples
publicaciones de su obra, ha recibido premios y reconocimientos: 2007, Primer
lugar Conalmex – Unesco, Medio Ambiente. / 2006, Tercer Lugar IEC, concurso de
dibujo Fontanelly Vázquez. / 2007, Mención Honorífica Fernando Pérez Nieto. /
2014, IEC – Bienal Regional en Tabasco. / 2012-13-14-15, Mención Honorífica
Concurso de Fotografía Jaime Tirado. / …
Jorge Mella, arquitecto y Artista
Visual, nació el año 1970 en la pequeña ciudad nortina de Tocopilla – Chile; Jorge
Mella es un exponente del arte chileno destacado a nivel internacional,
apasionado del arte desde que descubrió la magia del dibujo y la relación
inmediata con el óleo. Desde el año 2010, a través de sus obras pictóricas y sus
exposiciones destacadas colectivas y de cinco individuales, ha resaltado en una
búsqueda su legado patrimonial. Se ha dedicado a retratar la identidad de los
pueblos de Chile y de su Norte destacando su belleza y sencillez de lo que le rodea, aquello considerado desechado
o deteriorado por el tiempo y la mano del hombre pero que en su antigüedad
cobra vida propia llegando a convertirse en elementos o símbolos
representativos cargados de memoria, de historia y sentimientos propios de su
cultura, a partir de lo que vemos y que muchas veces no logramos percibir en esas
composiciones casi espontánea que nos entrega nuestro entorno. El costumbrismo
y la idiosincrasia de su región cobra valor e importancia plástica como
herencias de sus antepasados donde a través del registro sobre sus lienzos la
eterniza, las inmortaliza o perpetua dentro de una concepción más que realista,
que no deja dudas del amor por su terruño. Hay que resaltar que no solo por sus aptitudes y cualidades como arquitecto podemos ver una gran calidad en sus dibujos, sino como artista logra plasmar la majestuosidad de sus construcciones, una gran factura en el manejo de la linea y el trazo, que dan carácter de poder, de emotividad o capacidad de experimentar emociones, sentimientos, y sensibilidad hacia la belleza y estética, como su fuerza y su carácter, reflejados también cuando hace uso del color en otras técnicas, como lo podemos apreciar en su Bodegón "Verduras de antaño"
El
artista Jorge ha participado en doce muestras colectivas nacionales e
internacionales, desde el 2017, con el fin de fomentar el arte de su país, la
cual lo ha caracterizado.
https://instagram.com/pintorjormella?igshid=1tu9aj2k88m21
Gelma
Nazareth Higuera Alvarado, Estudió Arte, Decoración y
Diseño de Interiores. Dentro de su proceso ha realizado exposiciones itinerantes
en Colombia, Norte América, Centro y Suramérica; se ha desempeñado en la
docencia con niños y adultos,
preparación de grupos y personas para que participen en Bienales y exposiciones
tanto colectivas como individuales, en instituciones educativas como colegios y
fundaciones y en talleres particulares. Aplica técnicas mixtas en sus obras y
trabaja el modelado, la escultura, la pintura, el dibujo, y diversas propuestas
contemporáneas como instalaciones, video arte y arte-terapia.
En esta ocasión la artista nos
presenta una serie de esculturas elaboradas en hierro reciclado y pintura
electrostática. Su investigación se basa en la definición de los cuatro elementos
de la naturaleza y del estudio sobre la geometría sagrada como valioso tesoro
que enmarcan estructuras y patrones de proporciones perfectas en lo que
aparentemente parece ser un caos o desorden. Estos objetos que son codificados
de alguna manera se les otorgan una cualidad divina donde sus conceptos
geométricos se han empleado en muchas de las construcciones sagradas y en el arte devoto de muchas
sociedades en todo el mundo.
Dentro de su experiencia
encontramos su participación en la feria de arte Viarte, Medellín, 2016 y 2017.
/ Exposición Punto de encuentro Medellín - en el Hotel San Fernando Plaza, 2017, Y Punto de Encuentro – Medellín, en el
Club el Rodeo en el 2018. / Exposición artistas consagrados VIII – IX – X – XI –
Bienal internacional de arte de suba en
UDCA, Biblioteca Julio Mario Santo domingo, Centro Cultural y de Convenciones
Cajicá, Galería Café y& Libro, Country Club, Auditorio Zea Mays, y
Tocancipá, años 2012, 2015, 2017 y 2019
respectivamente. / Participación en salón de arte Fundación Universidad San
Martín 2019. / Jurado del concurso internacional del cartel de la Paz Club de
Leones 2019. / El ate en movimiento. Teatro focus 2017. / Galería azul profundo
exposición itinerante 2.013. / Subasta Latina Orlando Florida 2.011 EE.UU. / Encuentro
artístico Colombo Cubano Country Club Pueblo Viejo 2.011 Bogotá. / XXX festival
del caribe Santiago de Cuba Casa del Caribe 2010 Cuba. / Casa Simón Bolívar La
Habana 2.010 Cuba. / Galería Universal Santiago de Cuba 2010. / Galería de arte
Gelma Higuera. Exposición itinerante colectiva Chico 2007 Bogotá.
En sus exposiciones
individuales tenemos: Exposición itinerante Azul profundo Medellín, 2020. / Exposición
punto de encuentro Club el Rodeo Medellín, 2018. / Exposición Punto de encuentro
Hotel San Fernando Plaza Medellín. 2017. / Feria Internacional del libro
Republica Dominicana 2.005 Santo Domingo. / Pueblo Viejo Country Club 2.000 en
Bogotá. / Nueva acrópolis, 1997 Bucaramanga. / Biblioteca pública Gabriel
Turbay 1996 Bucaramanga. / Club cazadores unidos Bucaramanga, 1995 Bucaramanga.
/ Casa de la cultura Custodio García Rovira, 1985 Bucaramanga.
Mery Avaca Muñoz, Artista Chilena y matrona de profesión. Su pintura se
basa en lo propio, inmortalizando objetos preciados en bodegones, llenando de
vida y color los paisajes de Chile donde intenta llegar al espectador a través de
sensaciones, evocando recuerdos, lugares
y momentos vividos. La belleza natural y la diversidad del paisaje del país se
convierten en fuentes importantes que valora cual tesoro para descubrir el
motivo de su inspiración. La combinación de estos conceptos caracteriza sus
paisajes donde implícitamente llegan a ser recursos que definen sus obras entre
lo real y lo subjetivo.
Además de su formación en
artes con especialización en pintura figurativa la artista Mary Avaca de O., ha recibido premios y reconocimientos:
2020, primer premio en el
Salón Virtual de Otoño de la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago. /
2020, mención honrosa en el Primer Salón Virtual de Pintura Contemporánea de la
Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago.
Seleccionada mediante
convocatoria en el año 2016, “Barbara Brandl, Valparaiso. Exposición Casa E”. /
2017, “Seleccionada en la XI versión La belleza dello Sguardo, Squola italiana,
Santiago. / 2017, Seleccionada en la II Expo Colectiva de Vecinos Lo Barnechea,
Centro Cultural El Tranque, Santiago. /
Instagram: @mery.avaca.de.o.oleos
Facebook: Mery Avaca de O.
Jonathan Millán Villacorta, Artista
visual chileno, proveniente de la ciudad de Concepción; en 2011 realiza
estudios formales en arte con el maestro Rodrigo Retamal Jara, especializándose
en la técnica del óleo. El artista plasma la belleza del paisaje, y plantea
situaciones desde las características sociales y culturales que ofrece el país.
El artista evalúa el paisaje desde la majestuosidad del altiplano chileno en la
obra de “Vicuña en San Pedro de Atacama”, y la densidad de la geografía y los bosques
de la Patagonia en la obra “Paisaje Sureño”. Sus paisajes surgen de la realidad inminente
donde la enmarca dentro del naturalismo enfatizando en el color, la
composición, y la apropiación hacia lo que representa su terruño. La vitalidad
y al mismo tiempo sutil de la pincelada crea propias sensaciones de placer y
contemplación. Jonathan Millán ha
realizado explosiones en su país, algunas de ellas:
2012, Sala de Exposición del
Colegio Médico. Concepción, Chile. / 2014, Exposición individual “In Situ”.
Centro Cultural. Viedma. Río Negro, Argentina. / 2014, Colectiva “De Mar a
Cordillera”. Sala de Exposición Pedro Luna. Los Ángeles. Región del Bío-Bío,
Chile. / 2015, Colectiva Binacional Chile- Perú “Un Solo Color”, Galería Universidad
Católica Santa María, Arequipa - Provincia de Arequipa, Perú. / 2016, Artista
Invitado en Mural “Visiones de nuestra Región” en Parque Boulevard Brasil.
Antofagasta. Región de Antofagasta, Chile. / 2018. Exposición Colectiva de Arte
“Pingueral in situ”. Complejo turístico Pingueral. Tomé. Región del Bío- Bío,
Chile. / 2018. Exposición Colectiva “Encuentro”. Galería Chela Lira,
Universidad Católica del Norte – Antofagasta, Región de Antofagasta, Chile. /
2018. Exposición Colectiva “Encuentro desde el Bío- Bío al Loa”, Universidad
Católica de la Santísima Concepción – Concepción, Región del Bío-Bío, Chile. /
2018. Mención Honrosa en Categoría Realismo, Concurso de pintura “Memoria y
Representación Pictórica, 101 Años de su Legado Pedro Del Río Zañartu”, Museo
Parque Pedro del Río Zañartu – Hualpén, Región de Bío- Bío, Chile. / 2019,
Segunda Exposición de Arte “Pingueral in situ”, Complejo turístico Pingueral,
Tomé - Región del Bío- Bío, Chile. / 2019, Colectiva “Salón de Mayo”, Galería
Chela Lira, Universidad Católica del Norte - Antofagasta. Región de
Antofagasta, Chile. / 2019, Exposición “Paisajes del Sur”, Galería Sala de
Exposiciones Club Llacolén - San Pedro de la Paz, Región del Bío-Bío, Chile. / 2019,
Exposición “Chile País de Contrastes”. Centro Cultural Palacio de Yohn, Bilbao
- País Vasco, España. / 2020. Exposición “Salón de Mayo” versión 2020, Galería
Chela Lira, Universidad Católica del Norte – Antofagasta, Región de
Antofagasta, Chile.
Alejandra
Gallardo Mendoza, Artista Plástico Chilena y Diseñadora de
profesión. En su carrera aprendió distintas técnicas donde comienza a dibujar
empleando técnicas del carboncillo, colores pastel y acuarelas. Se inicia en el
óleo en el taller del artista Paolo Peña
en la ciudad de Iquique en el año
2007; posteriormente, se radica en Antofagasta el año 2008 donde asistió al taller
de la artista Alicia Guzmán entre los años 2011 -2014.
Desde el año 2018, forma parte
del taller del destacado artista nacional Rodrigo Retamal Jara donde define
entonces su estilo a partir del realismo representando los lugares marinos, la
pampa y sus salitreras; en el año 2018, asiste a un taller en Buenos Aires
Argentina, con el famoso pintor mexicano Omar
Ortiz, el cual influenció su gusto por desarrollar y dominar la técnica del
cuerpo humano. En la Obra “Pesqueros al atardecer”, Óleo sobre tela, trata de
capturar los sentimientos de calma y de tranquilidad que ofrece al ser humano
un ocaso en el atardecer del mar, mientras en la obra “Remanso”, recrea el descanso
de los botes en el puerto y la calma de las olas generadas por las ondulaciones
en el agua y la grandeza de la naturaleza con el esplendor de sus colores
intensos filtrados por la luz del día en fusión perfecta con los reflejos del
mar. Podemos concluir con esta presentación del paisaje por diferentes
artistas, que el paisaje en su elección difiere según quien lo contempla lo
define y lo recrea. Es el autor quien determina la composición y selección de
los elementos que la integran, su intención y su significado, produciendo un
sentimiento profundo más si se tratase de su terruño, en una dinámica
metabólica como vehículo para comprender la configuración espaciotemporal del
mismo, que singulariza a su vez cada paisaje.
La artista, además ha
participado en las siguientes exposiciones: (2020), Salón
de Cristo en el Arte. / (2020), Salón de Mayo de la Universidad Católica
del Norte de Antofagasta. / (2019), Salón de Cristo en el Arte. / (2019), Salón
de Mayo de la Universidad Católica del Norte de Antofagasta. / (2019), Salón de
la Plástica Antofagastina. / (2014), Salón de la Plástica Antofagastina. / (2013),
Salón de la Plástica Antofagastina.
Premios: Segundo lugar en el
concurso de arte de la municipalidad de Antofagasta “Desde mi ventana”. Julio
2020.
https://www.facebook.com/alegallardo.pintura
https://www.instagram.com/alejandra_egm/?hl=es-la
Liliana Añes, artista plástica de Argentina, se apropia de diversos medios para producir a través del collage sus originales técnicas mixtas que la identifican y que producen reacciones muy dinámicas a través del color fuerte e intenso, cortes duros acordes a sus mensajes que tienen relación directa con conflictos de violencias, o problemáticas que afectan al ser humano y principalmente a la mujer, en un mundo machista y de guerra de poderes que tocan lo político, lo social y lo económico. Sus composiciones son naturales respondiendo a una realidad latente la cual no hemos podido erradicar del comportamiento como seres racionales. El rostro de sus personajes anónimos como sus expresiones nos muestra dolor, angustia y desesperación y mucho más ahora con esta época en que nos encontramos donde se toma el riesgo de perder las esperanzas. Acude por lo tanto la artista a un llamado del no más, que apartemos un instante de nuestras vidas por reflexionar hacia la reproducción de nuevos pensamientos positivos que conduzcan a la supervivencia misma de la vida.
Eduarte Gámez Aroca, Artista
Plástico de Ariguaní, Magdalena, Colombia, y un Diplomado en Gestión y
Formulación de Proyectos Culturales de la Universidad del Magdalena; el artista
incursiona en las temáticas actuales del país y muy seguramente en hechos que
suceden a nivel mundial; en este caso específicamente sobre la igualdad de
derechos, el respeto a la diversidad y la unificación de valores como seres
humanos incluyentes en los sistemas establecidos sociales, culturales y
políticos. Resalta y realza en sus obras la figura femenina, acudiendo al
llamado por el respeto y su belleza, sin discriminación alguna, independiente
de su raza, de su credo y de su identidad, en la que la mujer se encuentra hoy
en día ocupando lugares importantes en todos los sectores. La intención del
artista no es describir signos o señales que dejen marcas en la memoria de un
país, sino que a pesar de ello la mujer es símbolo de feminidad, de madre,
esposa y aquella que siempre está dispuesta a dar su vida por aquellos que ama
y por la humanidad en general.
Entre sus exposiciones tenemos: 2020, II Exposición Internacional Luna Galería de Arte. / 2020, I Exposición Afro-indígena Dos Continentes, Chile – Escuela Internacional Arte de América. / 2018, XI Exposición Internacional de Arte Suba Bogotá, Colombia, MACI. / 2010, V Salón BAT de Arte popular, Barranquilla, Colombia.
Rafael
Valenzuela Rueda, artista plástico colombiano, nos presenta en
esta oportunidad dos obras digitales que viene recientemente desarrollando
dentro del campo de las artes contemporáneas; aunque también he intentado
realizar obras digitales, no había tenido la ocasión de hablar de ello, pero
Rafael con su obra me permite hacerlo en esta ocasión. Para comenzar no me expresare estrictamente
en su medio como uso o aplicación de programas vectoriales, que es el
fundamento básico del diseñador, sino desde la perspectiva en que los artistas
plásticos y los mismos ilustradores gráficos se han apropiado de ella y la
forma o intención con que la abordan; se podría deducir o decir en términos
plásticos que como las tradicionales técnicas o medios gráficos llegaron a
ocupar un espacio dentro de las artes plásticas, hoy el medio digital reclama
su sitio que lo caracteriza por componer obras desde el proceso de producción
hasta su exhibición, creando de este modo sus mundos alternativos como modos de
expresión donde se detecta los mismos elementos que contiene cualquier obra
creada dentro de los medios reconocidos de la plástica. Nadie podría negar la
existencia misma de la expresión de sensaciones, de ideas, de sentimientos, que
humanizan el oficio a través de técnicas donde se percibe desde la perspectiva
o tridimensionalidad hasta el comportamiento de la herramienta con intenciones
de producir composiciones, efectos, color y texturas entre otros. Esa es la
obra del artista Rafael, donde genera lecturas de interpretación, y de
contemplación de sus obras que pone de manifiesto el nuevo concepto que surge
dentro de las artes visuales.
Cristian Macana, artista plástico colombiano presenta sus pinturas que parten de una idea surrealista , tomando como referentes algunos artistas del barroco; para esto quiso hacer uso de elementos cotidianos superpuestos de manera libre creando así una composición casi coherente a su mundo mental, donde la anatomía es protagonista con personajes que llegan a ser auto destructivos. Su obra o propuesta sugiere un eclecticismo, casi como un híbrido entre expresiones y manifestaciones pasado y presente donde se apropia de pensamientos que concuerdan con los suyos. Es un collage de experiencias donde resalta ciertos personajes mientras minimiza otros que entran en escena pero son protagonistas de sus vivencias, de sus sueños y de sus códigos morales, que lo hacen pertenecer a un mundo paradójico desde el sentido profundo del alma. Intenta el artista generar significados propios donde enfatiza a través de la imagen la disposición del ser humano como máquina reproductora de pensamientos que termina en su propia destrucción.
Cristian
Montesino, Artista Visual, nació en Providencia, actualmente
radicado en Santiago de Chile. Su obra evidencia la reformulación de la
realidad, a través de nuevas interpretaciones que conducen a la subjetividad de
la misma. En el arte todo artista hace uso de la subjetividad de las cosas
materiales e inmateriales, pero en algunos, esta subjetividad muchas veces esta
oculta pues a los ojos del observador, su objetivo en primer lugar es la
lectura directa de la forma percibida. Entonces podemos decir que la percepción
nace desde el campo de las artes, donde se convierte en el vehículo en la cual
una realidad observada recrea una nueva forma de representación. Cristian Montesino usa como recurso la
subjetividad impuesta por la percepción donde además de contemplar el
significado propio del paisaje, resalta aquel como signo, como símbolo de lo reconocible
a través de la imagen, su textura densa, gruesa muy acorde a la experimentación
sensible desde su experiencia personal como factor fundamental de su expresión.
Alejandra
Añes,
de Argentina, es artista plástica y visual que expresa sus pensamientos en
obras pertinentes donde se encuentran cargada de mensajes relativos a los
valores subestimados o perdidos esencialmente a hacia la mujer. Sus motivos muy
simbólicos y cargados de significado, ilustra de tal forma que conduce a
interpretaciones claras sobre realidades de un mundo materialista. En su obras
crea narrativas insospechadas, pues dibuja signos abstractos en forma de
escritura donde nos incomoda por no poder descifrar su contenido, su mensaje,
que pueden indicar diferentes intenciones, seguramente relacionadas con
personajes existentes, reales o traídas a la memoria, al igual que aquellos
vestigios o reseñas de cicatrices físicas o internas muy latentes ante la mirada
de sus esculturas, que dejan como resultado figuras transfiguradas,
descompuestas, y despreocupada de toda belleza que pueden producir los cánones
establecidos.
